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The Spirit

Posted in General with tags , , , on Desembre 11, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

Frank Miller, el visionario creador de Sin City, Ciudad del Pecado y 300, lleva el cómic a otra nueva dimensión en su debut como director en solitario con su película The Spirit. Adaptada sobre la serie de cómics del gran Will Eisner, The Spirit fusiona con maestría la historia con brillantes gráficos generados por ordenador (CGI) que nos transporta en un estilizado mundo de aventuras, peligro y romance. Miller se propuso como punto de partida para la obra maestra de Eisner, hacer una película de calificación apta para mayores de 13 años, posibilitándole explorar nuevos caminos para contar la historia. Y en este intento, se revela otra faceta de Frank Miller, su faceta de realizador.

The Spirit es la historia de Denny Colt, un policía que fue asesinado y que misteriosamente vuelve a la vida como el enmascarado luchador contra el crimen llamado Spirit. Determinado a mantener a su amada Central City a salvo, Spirit persigue a los villanos de Central City desde las sombras y busca terminar con el peor de todos ellos: el psicótico megalómano conocido como Octopus. A pesar de lo ocupado que lo mantiene esta misión, el deslumbrante guerrero siempre se las arregla para tener tiempo para las bellas mujeres, aunque nunca está seguro de si ellas quieren seducirlo, amarlo o matarlo. Pero hay una dama que nunca lo traicionará y a la que siempre será fiel: Central City, la vieja y orgullosa metrópoli donde nació… dos veces.

Para dar vida en la pantalla a este clásico del cómic, Miller ha reclutado a un dinámico reparto de grandes estrellas y prometedores actores. Como el héroe protagonista, Gabriel Macht hace una actuación estelar que nos remite a los principales actores de la era dorada de Hollywood. A él se unen Samuel L. Jackson como el diabólico Octopus; Scarlett Johansson como la compinche de Octopus, la brillante y glacial Silken Floss; Eva Mendes como la seductora ladrona de joyas Sand Saref; Sarah Paulson como la incondicional amada de Spirit, la doctora Ellen Dolan; Jaime King como Lorelei, el fascinante fantasma de bajo las aguas; Paz Vega como la peligrosa bailarina lanzadora de cuchillos, Plaster de París; Dan Lauria como el severo Comisario Dolan; Stana Katic como Morgenstern, una joven y entusiasta policía y Louis Lombardi en el múltiple rol de los secuaces clonados de Octopus. Los artesanos detrás del telón de la película incluyen al aplaudido director de fotografía Bill Pope, ASC (Spiderman 2 y 3, la trilogía de Matrix, Lazos ardientes) y el supervisor de efectos visuales Stu Maschwitz (Los 4 Fantásticos y Silver Surfer, Sin City, Ciudad del Pecado).

Sinopsis

Es una noche iluminada por la luna en Central City, y Spirit (Gabriel Macht) recibe una llamada. Una especie de turbio asunto se cierne sobre las marismas frente a los muelles, en él están involucrados un antiguo barco de carga hundido y el criminal más temido de la ciudad, Octopus (Samuel L. Jackson). Spirit entra en acción, Octopus lucha extrañamente feliz contra él hasta que los dos hombres están casi exhaustos por los golpes. Al mismo tiempo, la gélida cómplice de Octopus, Silken Floss (Scarlett Johansson), vuelve hacia sus cuarteles generales subterráneos con uno o dos misteriosos tesoros saqueados de las profundidades del mar.

Cuando el humo se disipa, un policía está muerto y otro se debate débilmente entre la vida y la muerte. Spirit debería estar muerto también, le han disparado, acuchillado, pateado hasta el cansancio y más. Mientras su firme amada, la cirujana Ellen Dolan (Sarah Paulson) sutura sus heridas, Spirit sabe que sus heridas se cerrarán, y rápido. Lo que no sabe, es ¿por qué?De todas maneras no hay tiempo para descifrar el acertijo, mientras Octopus siga suelto, nadie en Central City estará a salvo. Y hay más, Octopus no era el único en las marismas esa noche, había también una mujer, y todo apunta como candidata a la improbable ladronas de joyas internacional, Sand Saref (Eva Mendes).

Sand Saref. Sólo el nombre hace que el corazón de Spirit se detenga, lo que el primer amor de un hombre es capaz de hacer. Pero eso fue hace mucho tiempo, cuando Sand Saref y Denny Colt eran vecinos de niños. Antes de que la tragedia se interpusiera entre ambos y cambiara radicalmente el rumbo de sus vidas. Sand había jurado no volver nunca a Central City. ¿Podía ser que la mujer en las marismas fuera ella? ¿Y era posible que la antigua vecina que Denny conoció se hubiera convertido en una mujer capaz de matar? Cuando otro cuerpo sin vida aparece, Spirit intensifica la búsqueda de su amor perdido. Al mismo tiempo, Octopus, Silken y la infinita banda de alegres e idénticos secuaces (Louis Lombardi) también están a la caza de la ladrona de joyas en búsqueda de un intercambio de tesoros que es el motivo por el que todos se encontraran en las marismas aquella noche. Una vez que el intercambio se realice, Octopus podrá poner en marcha el plan maestro para controlar totalmente a Central City. Sólo un hombre, Spirit, podría detenerlo. Pero Octopus conoce más sobre nuestro héroe que él mismo, y no tan sólo la causa de su aparente inmortalidad sino también de su cura.

Lionsgate y Odd Lot Entertainment presentan una producción de Old Lot Entertainment/Lionsgate, THE SPIRIT. Escrita para la pantalla y dirigida por Frank Miller. Basada en la serie de cómics “The Spirit” creada por Will Eisner. Producida por Deborah Del Prete, Gigi Pritzker y Michael E. Uslan. Director de fotografía, Bill Pope, ASC. Dirección artística, Rosario Provenza. Montaje, Gregory Nussbaum. Diseño de vestuario, Michael Dennison. Supervisor de efectos visuales, Stu Maschwitz. Banda sonora original de David Newman. Producción ejecutiva de Benjamin Melniker, Steven Maier, William Lischak, Michael Paseornek y Michael Burns. Coproductores, Linda McDonough y F.J. DeSanto. Coproductor ejecutivo, Jeff Andrick. Gerente de producción, Alton Walpole. Dirección de casting, Tricia Wood, C.S.A., Jennifer Smith, C.S.A., y Deborah Aquila, C.S.A. Protagonizada por Gabriel Macht, Eva Mendes, Sarah Paulson, Dan Lauria, Paz Vega, Jaime King, con Scarlett Johansson y Samuel L. Jackson como “Octopus”.

La producción

The Spirit reúne a dos visionarios del oficio de contar historias en el arte gráfico: Frank Miller, el creador de clásicos contemporáneos de vanguardia como “Sin City”, “300” y “El regreso del caballero oscuro” (The Dark Knight Returns); y Will Eisner, un pionero del cómic actual estadounidense. Eisner rompió todos los moldes del cómic cuando introdujo “The Spirit” en 1940; ahora Miller logra una proeza similar con The Spirit, una película basada en un cómic que no se parece a ninguna de las que se han hecho con anterioridad.Miller cita a Eisner como uno de sus primeros grandes inspiradores. “La primera vez que me encontré con un cómic de Will Eisner tenía 13 años, y pensé que él era un nuevo talento”, cuenta Miller. “Su trabajo tenía 40 años pero parecía más fresco y nuevo que nada de lo que hubiera visto antes”.

Eisner estaba apenas en sus 20 años cuando se puso a la vanguardia del movimiento del nuevo cómic al crear “The Spirit” como un inserto semanal de tres o cuatro viñetas dentro de un periódico. La serie no sólo aceleró la evolución artística del cómic de viñetas en las páginas de entretenimiento, se convirtió en el incubador de innovaciones formales y narrativas. En el momento que invencibles luchadores con capas como Batman y Superman hacían olas, Eisner creó a un héroe enmascarado en traje, guantes y sombrero, y sin poderes sobrehumanos en su haber. Tampoco era millonario o alienígena, sólo un policía que una vez se llamó Denny Colt y que todos creen está muerto. Spirit fue un personaje mucho más adulto, con un sentido del humor irónico, debilidad por las mujeres y una inquebrantable devoción por Central City, el conflictivo conglomerado urbano que él llama hogar. Y Eisner hizo una crónica de sus aventuras con un alto sentido del movimiento, con ilustraciones que evocaban las inusuales composiciones descarnadas y las perspectivas espaciales de trabajos como Ciudadano Kane.

Miller comenzó a trabajar en libros de cómic cuando conoció a Eisner en una fiesta en la ciudad de Nueva York. “Estaba escribiendo y dibujando uno de mis primeros números de ‘Daredevil’ para Marvel Comics”, recuerda. “Eisner le echó un vistazo a la primera página e inmediatamente me dijo que era lo que no funcionaba. Comenzamos a discutir acerca de la utilización del texto, y eso se convirtió en un debate que lleva más de 25 años, acerca de cómo hacer que un cómic funcione y de qué manera funciona. Tenemos una fiera, saludable y entrañable amistad. He aprendido mucho de él”.

Mantenerse fiel a “The Spirit”

En 1992, Uslan, que ayudó al comienzo de una era moderna en las películas de cómic para adultos cuando produjo Batman de Tim Burton (1989), compró los derechos de The Spirit a Eisner. Al hacer el trato con Eisner, Uslan recuerda que le hizo una promesa simple y sincera: “Le juré a Will que nadie podría tocar The Spirit, ni productora, ni persona, a menos que estuvieran dispuestos a respetar el original y a hacerlo de la manera correcta”. Casi una década después, el actor Dan Lauria presentó a Uslan a Del Prete y a su socia la productora Gigi Pritzker. Del Prete se quedó intrigada cuando supo que Uslan poseía derechos de libros de cómics. “Le dije a Michael, ‘siempre quise hacer una película de un cómic’”, recuerda Del Prete. “‘Somos realizadores independientes, podemos desarrollar las cosas a nuestra manera. He estado buscando este tipo de películas’”. Uslan no vio a la gente de Odd Lot hasta mucho tiempo después. Seguía frustrado en su cruzada por “Spirit” y tuvo una reunión con Del Prete en 2004, determinado a hacer su “Spirit” ataque. “Tuvimos una agradable conversación y entonces ella me dijo, ‘¡finalmente me has traído algo! ¿Qué me has traído?’”, recuerda Uslan. “Y dije, ‘Deb, te traigo el mejor trabajo creativo que ha dado la industria del cómic en los últimos 70 años’. Me miró y me dijo, ‘no me digas que tienes los derechos de ‘The Spirit’’. Miré al cielo y dije, ‘¡Mama, estoy en casa!’ ¡Ella era la primera persona que conocía a ‘The Spirit’! Fue un momento mágico”.

Del Prete agrega, “los cómics nos enseñaron a contar historias en imágenes. Siempre quise hacer una película sobre un cómic, pero no cualquiera. Siempre pensé que ‘The Spirit’ era una magnífica creación, y estaba entusiasmada con producir esta película”.Frank Miller estaba primero en la lista de Odd Lot como potencial escritor de la película The Spirit. En muchas formas era el heredero de Eisner, y Del Prete y Pritzker estaban determinados a conseguirlo. Cuando Eisner murió en enero de 2005 a los 87 años, le preguntaron a Uslan quiénes asistirían a la ceremonia que se celebraba en la ciudad de Nueva York, y cuando se encontraron con Miller le hablaron de escribir y dirigir The Spirit. En un principio Miller puso objeciones, ¿cómo podía él tocar el trabajo de su maestro y mentor? Miller se retiró, pero poco tiempo después llamó y dijo las palabras que la producción de The Spirit quería escuchar: “No puedo dejar que ningún otro lo toque”.

El compromiso de Miller agregó un gran sentido de que era el momento para The Spirit. Como lo explica Del Prete, “tienes a Will Eisner, literalmente uno de los creadores del cómic. Luego tienes al hombre que es el icono absoluto del cómic de hoy, Frank Miller, que fue el protegido, el par, el amigo y compañero de batalla de Will. Es un golpe maestro”. Acerca del guión

Miller se rodeó de paneles con material gráfico de Eisner cuando se preparó para comenzar a escribir el guión. “En un principio pensé en términos de un novelista como Raymond Chandler, e iba a trabajar con ese tipo de narrativa”, cuenta el guionista y director. “Pero descubrí que Chandler era una referencia totalmente equivocada, que Eisner era mucho más un O. Henry. Él contó una serie de historias cortas, algunas de las cuales son muy bellas. Decidí elegir mi preferida, una de dos partes acerca de Sand Saref y comenzar a desarrollar a partir de ella”.

Sand Saref, la sexy ladrona de joyas internacional es una de las muchas encantadoras damas que Eisner creó en “The Spirit”. Entre las otras seductoras y amadas que se hicieron un lugar dentro de la narrativa de Miller están Ellen Dolan, hija del comisario de policía de Central City, la exótica cantante Plaster de París, el genio glacial de Silken Floss y el ángel de la muerte de las profundidades, Lorelei. “Lo que quería capturar en The Spirit es lo que estaba implícito en el trabajo de Eisner”, explica Miller. “Spirit era un poco sinvergüenza. Al mismo tiempo que tenía a Ellen Dolan como novia, tenía una gran debilidad por las mujeres. Pero el verdadero amor de su vida es Central City, y ella siempre está allí y es su alma gemela”.

Spirit se arriesga por su ciudad y Eisner con frecuencia sometía a su héroe a todo tipo de maltrato físico a manos de sus enemigos. La habilidad de Spirit de recibir un golpe, y luego más, se convirtió en el tema central del argumento de Miller. “Spirit sabe que es un policía que murió de un disparo y que misteriosamente volvió a la vida pero no tiene idea de por qué”, cuenta Miller. “No es un superhéroe. No puede volar, no puede arrojar coches en el aire. Pero tiene una extraordinaria cualidad: puede recibir un increíble cantidad de golpes y sanar más rápido que ningún otro. Así que en el medio de su aventura romántica, se encuentra en un viaje existencial para descubrir lo que en realidad es”.

La respuesta a esta pregunta, decidió Miller, la tiene Octopus, uno de los icónicos villanos de Eisner. En la serie original, Octopus estaba representado solamente con un par de guantes blancos. Miller optó por mostrar el personaje en su totalidad, reinventándolo como un resentido juez de Central City que financia sus retorcidos experimentos genéticos a través de un lucrativo tráfico de drogas. En el estilo de los grandes libros de cómics, Octopus es el polo opuesto de Spirit. “Así como Spirit lleva el orden al mundo, Octopus lleva el caos. Así como Spirit busca ayudar a la gente, Octopus busca esclavizarlos”, afirma Miller, “además, está categóricamente chiflado”. Eisner siempre escribió para que su héroe fuera contemporáneo, y Miller siguió ese ejemplo al escribir The Spirit. Aunque Miller agregó su propia vuelta de tuerca en lo que a noción de “contemporáneo” se refiere, dándole un estilo a la historia que mezcla elementos de muy diferentes tiempos. Así, The Spirit se desenvuelve sobre un paisaje donde las mujeres van vestidas de punta en blanco, los hombres llevan trajes y sombreros y los taxis son elegantes sedan de los años 50. También es un mundo con teléfonos móviles, chalecos antibalas y clones. Las aventuras de la película tienen un nivel de agitación y violencia que hablan más del Siglo XXI que de los años 40. Al mismo tiempo el irreverente humor que es intrínseco al universo de Eisner, y por lo que es conocido, está sazonado con la característica mordacidad de Miller.

La productora Del Prete fue una colaboradora clave durante los meses que Miller estuvo dando forma y puliendo el guión. “El tono del guión es lo que creo que el tono del cómic era. Es aventura, es romance pero también mucho sentido del humor”, dice Del Prete. “Hemos sido siempre muy cautelosos a la hora de respetar los elementos de ‘The Spirit’ que son la tradición de Eisner. Dicho esto, el es Frank Miller y él aporta su propio y específico punto de vista”.

Pritzker, una recién llegada al mundo de los cómics, sirvió como representante del espectador de cine general sin conocimiento previo de “The Spirit”, Will Eisner o Frank Miller. “Era importante que The Spirit fuera accesible a la gente que no necesariamente fueran del mundo del cómic”, dice Pritzker. “Y creo que lo es. Tiene estupendas bromas para aquellos que son de este mundo, pero para aquellos que no lo somos, es una historia fantástica y muy graciosa”.Reparto y

Personajes

Mientras que en las películas sobre cómics el papel del héroe lo tiene una gran estrella, los realizadores de THE SPIRIT quisieron algo diferente y prefirieron decantarse por un actor un poco menos conocido. Como lo dice Del Prete, “queríamos que Spirit fuera simplemente Spirit para el público”.La voz profunda, resonante e irónica de Gabriel Macht y la expresión al mínimo, captó la inmediata atención de los realizadores cuando llegó a hacer la primera lectura. “Hollywood tiene toneladas de brillantes actores masculinos, pero Gabriel trajo ese humor a lo Chandler y una presencia física masculina que desde hace tiempo está ausente en las pantallas actuales”, comenta Miller. “El crea un gran Spirit en la tradición del cine negro”. En cuanto aceptó el desafío de Spirit, Macht se sumergió en los dibujos de Eisner. El actor explica, “al estudiar los cómics de Eisner fui capaz de absorber su características físicas, la forma en que mueve la cabeza, la forma en que mira a alguien, el modo en que lleva el sombrero o mueve los hombros, algunas de las cosas que realmente definen para mí a Spirit”. Macht aprecia las imperfecciones humanas de Spirit, “Spirit puede hacer cosas que otros policías no pueden y su fuerza física es bastante asombrosa. Pero por otro lado es un tipo torpe, en la manera en que Eisner lo dibujó, se está tropezando todo el tiempo con las cosas. Eso es parte de lo que lo hace encantador”.

La perspectiva de trabajar con Miller atrajo a una gran cantidad de actores, incluyendo a Samuel L. Jackson, quien da vida al archienemigo de Spirit, Octopus. Tan pronto como Miller decidió cambiar los guantes blancos que representaban a Octopus por un antagonista de carne y hueso, pensó en la famosa estrella. “Tenía que buscar al mejor villano posible, y ahí estaba Sam. Él fue mi primera y única opción para el papel”.Jackson, un ardiente fan de los cómics no necesitó que lo convencieran. “He sido un admirador de Frank Miller por mucho tiempo, desde ‘The Dark Knight’, ‘Sin City’, ‘300’ y todo lo demás”, dice Jackson. “El hecho de que Frank quisiera que fuera Octopus es un motivo de orgullo para mí”.

Con Jackson a bordo, Octopus asumió dimensiones casi operísticas como villano, y el actor se transformó con entusiasmo para su papel. Es un personaje que inspira la risa y también el miedo, haciendo que sea perfecto para el universo de The Spirit. Como Jackson menciona, “Will Eisner tenía un gran sentido del humor, y esta película tenía que mantener el elemento de comedia. Así que Octopus es un poco teatral, se pone disfraces y cambia de apariencia a su capricho. Es un individuo muy inteligente, o tal y cómo él se refiere a sí mismo, una criminal mente maestra”.

Y junto a Octopus, cambiando vestuario a la par está su protegida de corazón frío Silken Floss, interpretada por Scarlett Johansson. Miller reescribió el personaje original de Eisner, en una versión más joven, después de reunirse con Johansson para hablar de un personaje totalmente diferente. “Me fui de la reunión pensando, ‘no sirve para este papel, es demasiado joven. Pero tengo que escribir algo para ella’. Me quedé impresionado con la mujer, lo inteligente, graciosa y austera que era. El personaje de Eisner era una astrofísica reprimida sexualmente de muy buenas formas y completamente enamorada de Spirit. Decidí hacer un contrapunto y darle a Silken su juventud perdida”.

Johansson estuvo encantada con su imperturbable personaje, que ella describe como “muy, muy inteligente y fácil de aburrir. Silken se encuentra allí por la aventura, ayudando a este tipo enloquecido con su tráfico de drogas y vistiendo prendas locas. Nada de todo eso es real para ella. Probablemente en parte porque ella continuamente está sumergida en la provisión de droga. Es una extraña fase en su vida y quién sabe lo que ocurrirá luego”.Eva Mendes fue elegida para el personaje crucial, Sand Saref, la única mujer capaz de romper el corazón de Spirit. Miller encontró en Mendes una actriz “hechizante y bella como la de las ilustraciones originales”.

Sand se ha casado bien y varias veces; es sexy hasta quitar el aliento y aparentemente fría como el hielo. Pero debajo de todo eso hay un alma herida perseguida por la pérdida de su padre en la niñez. “Sand Saref es en realidad una niña pequeña destrozada”, comenta Mendes. “Ha decidido que lo único con lo que en realidad puede contar son con las joyas caras. Ella adora las cosas brillantes, como ella misma las llama”.Spirit tiene también una compleja relación con Ellen Dolan, la hija del comisario de policía de Central City y una vez la prometida de Denny Colt. “Ellen es muy cortante”, dice Miller. “En una pequeña digresión por mi parte al cómic, la hice cirujana, la mujer que literalmente junta los pedazos de Spirit en el plano físico”.

Ellen está interpretada por Sarah Paulson, la talentosa actriz que se ganó el aplauso por su papel en la serie Studio 60 on the Sunset Strip de Aaron Sorkin. La actriz encontró una vena de melancolía en ese personaje tan dueño de sí mismo. “Creo que Ellen trata de distraerse de la tristeza de haber perdido al amor de su vida y como su padre, se oculta en el trabajo”, comenta la actriz. “Se obsesiona tratando de llegar a Spirit y se ocupa de cuidarlo, asegurándose de que está bien y curado”.

Miller hizo el papel de Lorelei a la medida de Jaime King, que interpretó a Goldie en Sin City, Ciudad del pecado. La actriz se emocionó al reunirse otra vez con el escritor/director, que se ha convertido en un amigo cercano. “Frank es muy creativo y su guión no se parecía a nada de lo que había leído antes”, comenta King. “Era una película de cine negro, sexy, pero también todas esas otras cosas, romántica, siniestra, divertida y filosa. Y yo estaba encantada de interpretar a esa misteriosa mujer, que en realidad es el ángel de la muerte que llama a Spirit a lo largo de toda la película”. El personaje de Plaster de París fue para la premiada actriz española Paz Vega, que hizo su debut en Estados Unidos en Spanglish y es conocida por su sensualidad en películas como Lucía y el sexo. “Plaster de París es una de las creaciones más extrañas de Eisner”, concede Miller. “Y como lo interpreta Paz Vega, ellas es el sueño hecho mujer. Pero un sueño definitivamente peligroso”.

Vega estuvo más que feliz de cruzar el Atlántico para interpretar su relativamente corto papel. “Me encantan los cómics y trabajar con Frank Miller fue un sueño hecho realidad” dice entusiasmada la actriz. Vega reconoce que Spirit tiene mucho que temer de París, particularmente a la luz de su historia anterior. “Creo que han tenido una tórrida relación y ella continúa enamorada de él. París es una mujer muy extraña, y nunca se sabe qué se puede esperar de ella”.Miller inventó el personaje de Morgenstern, la policía novata encandilada con Spirit pero dispuesta a ponerse a prueba. Stana Katic, una estrella en ascenso que trabajó en Quantum Of Solace, fue elegida para interpretar a la joven oficial de policía juguetona que contrasta abiertamente con las otras mujeres de la película que son más seductoras. “Ella es la única mujer en el filme que no es consciente de sí misma como mujer”, opina Katic. “Como oficial de la ley que es, Morgenstern admira a Spirit. Una vez que lo conoce, bueno, él es el maullido del gato, y ella comienza a enamorarse perdidamente”.

Dan Lauria agrega la vigorizante y áspera dosis de cine negro como el comisario de policía Dolan, un policía anticuado que es la única persona que sabe que Spirit es Denny Colt. La primera lectura con Lauria fue todo lo que Miller necesitó para convencerse de que era justo la persona para ese papel. “Dolan es el padre que Denny Colt jamás ha tenido y mantiene una continua relación beligerante con Spirit. En el papel de Dolan, Dan exuda autoridad, cansancio y preocupación. De alguna manera, es mi personaje preferido porque es mi cápsula del mismo Will Eisner de mal humor”.

Un fanático del cine con una colección de más de 4.000 películas, Lauria estaba entusiasmado con la oportunidad de emular el tipo de expresión en `staccato´ de las películas de los 40 que adora. “Los actores de esas películas, en el cine negro en particular, hablan muy rápido, y los diálogos de Frank realmente se prestan para eso. Así que lo único que hice es volar a lo largo de mis diálogos, lo que ha dado el filo que me encanta”.

Y por último, hay una hermandad de clones de alegres secuaces creados por Octopus, quien no duda en deshacerse de ellos libremente cuando no cumplen con las expectativas, que, debido a su falta de inteligencia, ocurre con frecuencia. Miller en un principio imaginó a los matones como tres hermanos idénticos llamados Logos, Pathos, y Ethos. “La idea comenzó a gestarse en mí”, recuerda el guionista/director. “Pensé, ‘¿por qué detenerme en unos trillizos cuando tengo a este tío que es un genio de la genética? ¿Por qué no haces que haga muchos de ellos?’”

Para interpretar a los múltiples maníacos, conocidos colectivamente como Phobos, Miller y Del Prete buscaron a Louis Lombardi, mejor conocido como el irritable Edgar en 24. El actor recuerda, “Frank y Deborah me dijeron que tenían un gran papel para mí: ‘es un tipo al que matan 50 veces’. Y yo pensé, ‘vale’. Frank entonces me dijo todas las maneras en que iba a morir y entonces pensé, ‘Guau, ¡esto va ser genial!’ Y cuando Frank me explicó la manera en que iba a rodar la película, no pude esperar a que empezara el rodaje y comenzar a trabajar”.

Plató y Pantallas

El plan de los realizadores para The Spirit fue ciertamente ambicioso: rodar la producción entera utilizando pantalla verde y la tecnología y los programas de imágenes generadas por ordenador (CGI) para crear un híbrido entre imagen en movimiento y un libro de cómic. Miller ya había estado involucrado en un rodaje con avanzadas técnicas digitales cuando codirigió con Robert Rodríguez Sin City. “Lo que ocurrió con la tecnología computarizada y el CGI es que encajó perfectamente con alguien con mi abanico de conocimientos”, reconoce Miller. “Yo cuento historias con imágenes. Lo que me encanta del CGI en cine es que si soy capaz de pensar en algo, eso puede estar en la película. Y aunque esta tecnología habla del futuro, también puede recuperar algunos valores del pasado. No solamente los valores del cómic en una ciudad extraña con luz tenue, sino también los valores del cine negro clásico. Quería que The Spirit tuviese la imagen descarnada y aterradora de esas viejas películas”.Del Prete cuidadosamente seleccionó un equipo de primera para ayudar a que Miller consiguiera su visión de The Spirit. “Nos propusimos encontrar gente que conociera y simpatizara con los conceptos del tipo de cómic que Frank ha escrito. Queríamos gente que conociera a Eisner y ‘The Spirit’. Así que Frank ha estado rodeado por gente de mucho talento que estaba ansiosa por trabajar con él en esta película. Cada uno de los miembros del equipo era gente muy especial”.

Esto ciertamente describe la clave en cuanto a los colaboradores técnicos con que ha contado Miller: el renombrado director de fotografía Bill Pope, entre cuyos trabajos se encuentran Spiderman 2 y 3, la trilogía de Matrix y Lazos ardientes; el supervisor de efectos visuales Stu Maschwitz, fundador de la casa de innovadores efectos visuales The Orphanage, cuyos asombrosos trabajos incluyen Iron Man, Noche en el museo, Superman Returns y Harry Potter y el cáliz de fuego.

Pope no dudó ni un segundo en unirse a Miller para su debut directoral en solitario. “Frank Miller llama y dice, ‘¿quieres hacer una película?’ Éste es el hombre que es el maestro del medio visual y quieres saber lo que hace. ¿Qué haces si Julian Schnabel te llama? Dices sí”.Maschwitz también trabajó como director de la segunda unidad y comenzó a asesorar a Miller en los efectos visuales de la película desde la preproducción. “Frank es un subidón con toda la energía que sientes en su material gráfico. Tiene una visión profunda y es increíble verlo trabajar para darle vida a esos personajes que están definidos en una página tan solo con una pose o un gesto”, concluye Stu.

The Spirit comenzó su producción en Albuquerque, Nuevo México, el 8 de octubre de 2007 y fue la primera película en rodarse en los nuevos estudios, Albuquerque Studios. Los plató 7 y 8 fueron transformados en un inmenso plató con pantalla verde, pantalla negra y un plató para trabajar con especialistas que se podía cambiar de verde a negro. El ambicioso plan de rodaje de 48 días contaba con más de cien actores y especialistas. Para los actores y los departamentos técnicos clave, Miller creó unos cuadernos con las historias originales de Eisner sobre las cuales The Spirit estaba basado. Y cada día el guionista/director comenzaba dibujando guiones gráficos para facilitar que tanto los actores como el equipo técnico pudiesen visualizar las escenas que se rodarían ese día. Del Prete comenta, “Frank se aseguró de que toda la gente que trabajaba en la película realmente entendiera el original así como su estilo artístico. Y creó un híbrido de los dos. No hubo un sólo día que transcurriera sin que se hablara de Will”. Juntos, Miller, Pope y Maschwitz hicieron un mapa de la aventurada estrategia visual. “Decidimos hacer The Spirit aún más estilizada, más en la línea de los dibujos de Frank que lo que hizo Rodriguez”, explica Pope. “Stu y yo éramos unos seguidores, en el sentido de que entendíamos a Frank Miller y su sensibilidad. Nuestro trabajo era traducir lo que estaba en su cabeza y en sus dibujos al mundo tecnológico. Frank no es un técnico. Para lo que es fantástico es para encontrar ese momento, el punto emocional preciso en el corazón de cada escena”.

Un espíritu de creatividad y juego prevaleció en el set, tanto delante como detrás de la cámara. Para Miller, esta actitud era esencial para lograr una apropiada adaptación del trabajo de Eisner. “Will fue siempre un aventurero en su trabajo”, cuenta. “Lo que queríamos hacer en esta película era volver a estar en contacto con ese sentido de la experimentación que ‘The Spirit’ aportó y que a la vez definió a ‘The Spirit’. Todos, el reparto y el equipo técnico estaban dispuestos a intentar cosas”.

Sam Jackson acuerda y hace mención de la receptividad de Miller hacia las ideas de los actores en todos los aspectos, desde el texto al bello facial. Cuando Jackson vio el vestuario completo y el minimalista y no existente decorado, se dio cuenta de que podía ir aún más allá con el personaje que estaba creando. “Nos dimos cuenta de que podíamos lanzar a Octopus a otra dimensión con las pelucas, el maquillaje de ojos y todo tipo de cosas elaboradas en mi cara. Nos lo pasamos muy bien pensando en el personaje, y creo que eso nos ayudó a crear un villano verdaderamente gracioso y memorable”.

Miller estaba encantado con su reparto. “Estoy acostumbrado a dibujar en mi tablero e inventarme a mis propios actores. Así que probablemente la mayor sorpresa que me llevé fue que me encantan los actores y adoro trabajar con ellos. Todos en el reparto son fantásticos. Creo que, de verdad, el actor es el que crea el personaje. El director sólo ayuda a conducirlos a través de la historia”.The Spirit necesitaba un delineado, vibrante e inteligente diseño de vestuario para los personajes. Fue un reto que el diseñador de vestuario, Michael Dennison, tuvo que asumir para divisar las estilizados prendas que reflejarían las diferentes personalidades, la historia y los cambios de humor. Para el Octopus de Jackson, creó una serie de trajes para complementar la adoración del mal de este desalmado, desde el arquetipo del “malo” del oeste, el mortal samurai e incluso el nazi. Y allí estaban esas increíbles y variadas prendas para las espléndidas mujeres de la película: vestidos de noche, trajes y todo lo que refiriera a las siluetas femeninas de mediados del Siglo XX pero sin dejar de mantener un cierto aire moderno.

Como contraste, el guardarropa de Spirit pedía algo simple, prendas con mensaje. Dennison hizo unas pocas y sutiles alteraciones en el atuendo de Spirit para traer al personaje a la actualidad. “El original Spirit llevaba un traje”, apunta Dennison. “Hemos simplificado su vestuario a una camisa, corbata, pantalones, cinturón, zapatillas de deporte, un increíble impermeable y un sombrero. El impermeable fue cariñosamente bautizado como la capa, porque flotaba, volaba, se envolvía, ocultaba. La corbata escarlata era parte de la visión de Frank. Una imagen gráfica que se convirtió en la firma del personaje”.

Algunas de las innovaciones más atrevidas de The Spirit tienen que ver con las extendidas secuencias bajo el agua, incluidas las escenas de los personajes de Mendes y Jackson persiguiendo su botín debajo de las marismas de Central City. Los realizadores querían lograr un efecto que sólo era posible en un cómic, con la Sand Saref de Mendes luciendo tan arrebatadora bajo el agua como luce fuera. Para conseguir esto, Pope rodó las secuencias utilizando una luz especialmente diseñada a ese fin y una cámara Phantom, un modelo de alta velocidad reservada generalmente para aplicaciones científicas. Mendes fue suspendida en un arnés y no se necesitó ni una gota de agua. Del Prete cuenta, “teníamos lo que queríamos, una escena totalmente creíble bajo el agua y Eva parece una diosa, el maquillaje y el cabello absolutamente perfectos, porque, claro, ella no está en el agua. ¡Igual que en un cómic!”

The Spirit fue concebida como cine negro contemporáneo con el color jugando un papel específico y poderoso. La gama de colores fue establecida en producción a través de la luz, el diseño de vestuario, la dirección artística y demás, y continuó hasta la postproducción. “Nunca creímos que la película tenía que ser puramente en blanco y negro, queríamos ver el color de la piel y la carne”, dice Pope. “Así que trabajamos en esa dirección hacía lo que entendíamos que la temática del color tenía que ser. Por ejemplo, cuando Frank escribió la escena de Spirit joven con Sand joven en el porche, supe que estaban abriendo una cerradura. Esa cerradura tenía que ser dorada, los recuerdos tenían que ser dorados. Y Sand es materialista, así que el dorado se convierte en su color”.

Una vez que se terminó el rodaje, toda la actividad se trasladó a las oficinas centrales de The Orphanage en California del Norte, donde Maschwitz supervisó los efectos visuales con un equipo de 200 personas en diez estudios de todo el mundo incluyendo Australia, Los Ángeles y Canadá. Para Maschwitz y sus colegas, la tarea que tenían entre manos fue casi hacer lo opuesto al trabajo habitual de los efectos visuales. “Lo más frecuente en nuestro trabajo es coger un plano que está completo excepto por algún pequeño elemento e insertamos ese elemento dentro del plano”, explica Maschwitz. “Con The Spirit, teníamos un elemento pequeño muy importante que era la actuación, y teníamos que llenar todo lo demás”.

Paralelamente en Los Ángeles, el montador Greg Nussbaum se unió al equipo de postproducción. Nussbaum llegó a la película por recomendación de Stu Maschwitz, con quien había trabajado en publicidad y vídeos musicales. “La dificultad en este tipo de películas es que el montador sólo tiene a los actores sobre una pantalla verde para poder montar. Tienen que tener muchísima imaginación para entender lo que están haciendo. Deborah quería a alguien que realmente entendiera el estilo de Frank, como el resto del equipo. Greg había hecho el montaje de la previsualización de The Spirit y supe que tenía mucho talento y que sería una buena elección”, recuerda Stu Maschwitz. Del Prete le dio las primeras dos semanas de material a Nussbaum como prueba para ver lo que hacía con él. Tanto ella como Miller quedaron encantados con el resultado y lo incorporaron al equipo.

La postproducción es una de las partes más importantes del proceso, especialmente en una película como The Spirit, y al mismo tiempo que Maschwitz y The Orphanage se aseguraban de que cada efecto visual era perfecto, Miller y Del Prete también se aseguraban de que el sonido y la música estuvieran a la altura de la película. Pasaron mucho tiempo escuchando bandas sonoras y entrevistándose con compositores. La productora Del Prete recuerda, “fuimos muy afortunados al tener tan buenas opciones. Después de ver algunas pruebas del montaje, toda la gente con la que queríamos reunirnos estaba verdaderamente excitada con la idea de hacer la música de la película. Lo más duro fue tener que decir que no a muchos compositores de música verdaderamente buenos. Después de considerarlo, el altamente reconocido y varias veces nominado al Oscar, David Newman (Anastasia, Ice Age la edad del deshielo, The Phantom, el hombre enmascarado) se unió al equipo. Frank quería elementos del jazz de los años 40 fundidos con la clásica música heroica, incluso un toque de `spaghetti western´. David fue capaz de darnos todo eso”.

Fue en la postproducción donde Maschwitz trabajó con Miller para darle vida al personaje crucial en The Spirit: Central City, el gran amor de Spirit. Eisner basó a la ciudad en su ciudad natal, Manhatan, que es el hogar de Miller desde hace ya mucho tiempo. Miller cuenta, “Stu y su compañía crearon a la Central City de mis sueños, que es Manhatan desde más o menos Jane Street hasta Houston. Esto es porque Spirit es más el personaje de un barrio que el protector de la ciudad entera. Stu y su equipo crearon una evocación del Nueva York de diferentes épocas. Es como Pompeya, cuando Pompeya estaba en su momento cumbre. Es todo lo moderna que quieras y se remonta en el tiempo todo lo que quieras”.

Maschwitz agrega, “Central City es el Nueva York que Frank ve cuando camina por Manhatan. Eliges pedazos y partes de una ciudad real para que haya una realidad tangible, el desorden que un paisaje urbano tiene, y luego selectivamente se van quitando las partes que no encajan con el mundo de Frank y Eisner. Y como resultado tienes a Central City. Y la película es en verdad, una carta de amor a ese entorno”. Es también un respetuoso saludo con el sombrero a Will Eisner, el hombre que ayudó a crear el cómic. “Me tiré de cabeza en esto”, dice Miller acerca del gran desafío que fue llevar The Spirit a la pantalla. “Si iba a existir un The Spirit iba a ser todo lo bueno que fuera capaz de hacer. Espero que Will no se levante de la tumba y me estrangule cuando la vea”.La actriz Jaime King siente que Miller no tiene mucho por lo que preocuparse. “Lo que Will Eisner hizo con ‘The Spirit’ fue revolucionario: no había nada parecido a eso en ese tiempo. Y esto es lo que siento acerca de lo que Frank ha hecho con esta película”.

Fuente: OcioJoven

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La Musa de los Cuentistas

Posted in General with tags , , on Desembre 11, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

En mi niñez vi en alguna matinée de cine una película en chillón “technicolor”, Arabian Nigths, de 1942, que era un fiasco con su Arabia de escayola y lentejuelas, sus danzantes tránsfugas del strip-tease, sus paisajes de back-lot de la Universal Pictures y sus figurantes alquilados a tantos dólares la hora y apresuradamente arabizados por turbantes y albornoces, pero que tenía una protagonista fascinante con el oval rostro, los ojos oscuros, las rítmicas caderas de la dominicana María Montez y el sedoso y ondulante nombre de Sheherezada y contaba las historias de Alí Babá, de Simbad, de Aladino, de… Y esa hollywoodense Sheherezada, de la cual por supuesto me enamoré, me llevó a leer el libro de Las mil y una noches (es decir: el Hikayät-alf-laila-wa-laila) en una traducción española y demasiado “maja” de Cansinos Assens.

Años más tarde, en la adolescencia, volví a leer, completa y en el francés original, la versión de Galland del vasto cuentario; versión de que dice Borges que es “la peor escrita de todas, la más embustera y la más débil, pero fue la mejor leída” y a partir de la cual se originaría la moda del orientalismo en Europa y Sheherezada se convertiría en la madre emblemática de los narradores, en la mítica musa del arte del cuento. A ese río de relatos, que parece venir del infinito e ir al infinito poblando con paraísos e infiernos un desierto de infinitos horizontes, se me ocurrió sobretitularlo El libro de Sheherezada, pues la muchacha del verbo inagotable, además de ser su más presente personaje, es la central voz tejedora de un plural y laberíntico tejido narrativo.

¿Existió Sheherezada? Quién sabe, pero el libro algo dice de su aparición desde la Leyenda, ese mundo paralelo y complementario de la Historia. Y la Leyenda contaba que Shariar, sultán de Bagdad, habiendo descubierto a su primera esposa copulando con un empleado menor del palacio, castiga a ambos de un modo que resulta atroz aun en la pudorosa prosa de Galland (“El desdichado príncipe sacó el alfanje, se acercó al lecho y de un tajo hizo pasar a los amantes del sueño a la muerte, y luego uno tras otro los tiró por la ventana al foso que rodeaba al palacio” ; que desde entonces, para vengarse de todo el género femenino, el refinado energúmeno emprendió su venganza sin fin contra el genero femenino desposando y desvirgando cada noche a una doncella para darle muerte cada mañana; pero que un día se casó con la hija de su gran visir, y… Ya tenemos en pie a Sheherezada. Muchacha tan hermosa como culta, inteligente e ingeniosa, decidida a acabar con los asesinatos de sus congéneres, Sheherezada desde su noche de bodas comienza a contarle al uxoricida serial un cuento que interrumpe a la siguiente noche, en la que otra vez iniciará otro cuento para concluirlo en la próxima, y… así sucesivamente. De este modo logrará no sólo ser la esposa duradera de Shariar y darle hijos a los que educará como correctos príncipes sin veleidades asesinas, sino además ser la oral autora de un libro que atravesará los siglos con su deslumbrante mezcla de fantasía y realismo.

Uno de los misterios que aureolan a la decente señorita hija del gran visir es cómo pudo conocer tantas historias que suponen una gran experiencia de la vida y un inverosímil trato con gente ruda, aventurera y aun de mal vivir. Pero lo cierto es que nunca ha habido cuentista menos gratuito que Sheherezada: para ella contar cuentos es, en principio y en sentido estricto, asunto de vital necesidad: el motivo primordial es evitar el degüello a que la destinaba el flamante esposo. Y además de una brava heroína y redentora del pueblo (pues desea casarse con el sultán porque “tengo el designio —dice— de parar el curso de la barbarie que ejerce sobre las familias de esta ciudad”), la narradora genial, la Madre de los Narradores, es la precursora de los novelas por entregas, de las películas de episodios, de las telenovelas seriales y del cine de suspense a lo Hitchcock; y esto no es una deducción caprichosa: en la primera versión impresa de Las mil y una noches, la de Antoine Galland, ya se da el sentido del suspense, aunque sin la e final de la grafía inglesa: “La sultane Scheherezade, en continuant de tenir en suspens le sultan…” (es decir: “manteniendo en expectación al sultán”).

Así, la muchacha para salvar su vida emite cuentos, y éstos se multiplican gracias a personajes que a su vez emiten otros cuentos. La central voz narradora crea historias que se ramifican en historias, dibuja destinos que colectan destinos, y la ficción aparece entonces como el reverso del tapiz de la realidad. Contando, interrumpiendo y continuando la ficción de una noche en otra para evitar el zumbido del alfanje sobre su cuello, la muchacha repite el truco de Penélope (que tejía y destejía y retejía en la tela las figuras de una escena para escapar a los requerimientos de sus cortejadores) y va así modificando la cruel realidad impuesta por el sultán. Al emitir esos cuentos uno tras otro, unos dentro de otros, partiéndolos en la bisagra de entre día y noche, va inscribiendo a la ciudad, a las mil noches y una, al sultán, a ella misma y a innumerables otros personajes en el cuento global y plural dictado por su voz.

Ejerciendo lo que Ernest Hemingway llamaba “gracia bajo presión” (y no era poca presión: ¡la de la muerte al amanecer de la noche nupcial!), la graciosa y astuta hija del gran visir, la muchacha genial, armada sólo con su fantasía y su arte de la palabra, domina el fluir del tiempo, justifica y glorifica el desvelo, vence a la muerte y se erige en la verdadera protagonista de ese gran cuento de cuentos que en justicia debiera titularse El libro de Sheherezada.

Autor: José de la Colina
Fuente: Milenio

Albert Serra y Luis Miñarro en el ciclo "Descubre a…" de la Academia de Cine

Posted in General with tags , , , on Desembre 10, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

La Academia de Cine continúa ofreciendo la oportunidad de descubrir a nuevos valores de nuestra cinematografía con el ciclo Descubre a… que en el mes de diciembre estará dedicado a Albert Serra.

El martes 9 de diciembre a las 19h, tendrá lugar la proyección, en versión original en catalán con subtítulos en castellano, de “Honor de cavalleria” (2006/110’), protagonizada por Lluís Carbó, Lluís Serrat, Albert Pla y Glynn Bruce.

Se trata de una adaptación libre del Quijote, que ganó el Premio Fipresci de la crítica internacional de la Biennale de 2006 y participó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes de ese mismo año.

Don Quijote y Sancho Panza cabalgan sin rumbo en busca de aventuras. Por el camino discuten sobre temas espirituales, caballerescos, prácticos… y profundizan en su amistad.

El misterio y la poesía de la película beben del imaginario cinematográfico de Bresson, Pasolini, Godard y Ozu, convirtiéndose, no en la narración de una aventura, sino en la aventura de una narración.

El miércoles 10 de diciembre a las 18’30h veremos “El cant dels ocells” (2008/98’) también en versión original en catalán con subtítulos en castellano y protagonizada por Victòria Aragonés, Lluís Carbó, Mark Peranson, Lluís Serrat Batlle, Lluís Serrat y Montse Triola.

A su término tendremos el coloquio con el director Albert Serra y con Luis Miñarro, productor.

La película fue presentada también en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes de 2008. Registra, con una narrativa minimalista y abstracta, el viaje de los bíblicos Reyes de Oriente por lugares desérticos para ir hasta donde están María y José, quienes acaban de dar a luz al Salvador.

El director la describe como el viaje iniciático de unos personajes en busca de una cosa que no se ha inventado aún, y a su vez él mismo intenta hacer un cine que no se parezca al de ningún otro.

Fuente: La República Cultural

La fantasía de ‘Corazón de Tinta’ llega a la gran pantalla

Posted in General with tags , , on Desembre 10, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

El trailer de la película basada en la novela juvenil ‘Corazón de Tinta’, de la escritora alemana Cornelia Funke ya está aquí. Esta historia de aventuras está protagonizada por Helen Mirren, Brendan Fraser, Jim Broadbent y la joven Eliza Bennet. Se estrenará el próximo mes de enero.

‘Corazón de tinta’, la primera parte de la trilogía ‘Mundo de tinta’ que se completa con los volúmenes ‘Sangre de tinta’ y ‘Muerte de tinta’, narra la historia de un padre y su hija, capaces de insuflar vida a personajes ficticios simplemente leyendo sus historias en voz alta.

Sin embargo, por cada ilusión literaria que sale de un libro, una persona real desaparece entre sus páginas.

La película, cuyo guión ha elaborado David Lindsay-Abaire, iniciará en Berlín su periplo internacional y será estrenada en las salas de cine estadounidenses el próximo 23 de enero.

Fuente: Antena 3

Capitanes no intrépidos

Posted in General with tags , , on Setembre 6, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

La decisión sobre el corte final de El Capitán Trueno impidió que el guión de Bajo Ulloa llegara al cine.

Juanma Bajo Ulloa se tomó la adaptación de El Capitán Trueno como un proyecto personal desde finales de los noventa, y Filmax le apoyó en 2000 con luz verde y seis millones de euros de presupuesto. Pero la última condición de su presidente, Julio Fernández, era tener decisión sobre el corte final. Bajo Ulloa no accedió y dio al traste con el proyecto, cuyo guión había descrito como una aventura que no estaba pensada para el público infantil, donde no habría “chichones, sino sangre” y profundizaría en unos personajes que, encerrados en aventuras de 15 páginas, no se paraban a profundizar demasiado.

‘Viaje al centro de la tierra’. Verne, según Hollywood

Posted in General with tags , , , on Setembre 6, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

Ya se sabe que escasean las ideas en la meca del cine. Entre remakes y adaptaciones al kilo, toca poner al día historias de antaño, clásicos como ‘Viaje al centro de la tierra’, título mítico al cual se le da un giro contemporáneo en una versión que se anuncia como la primera película de acción con actores reales que ha sido filmada en formato 3D digital. Algo hay que hacer para llevar al personal al cine, y exprimir las nuevas tecnologías se antoja un excelente reclamo. La novela de Julio Verne es el punto de partida del debut como director de Eric Brevig, veterano de los efectos audiovisuales y ganador de un Oscar de la Academia, presente en cintas como ‘Desafío total’ o ‘Pearl Harbor’.
Brendan Fraser, del que aún colea en nuestra cartelera la soporífera tercera parte de ‘La Momia’, protagoniza este renovado ‘Viaje al centro de la tierra’, encarnando a un visionario científico que queda atrapado, junto a su sobrino Sean (Hutcherson) y una bella guía por nombre Hannah (Briem), durante una expedición científica en Islandia. Sólo tienen una opción para salir de su encierro: adentrarse en las entrañas de la Tierra.
El trío de exploradores comienza así un periplo sorprendente, en el cual se cruzarán con criaturas imposibles en mundos increíbles. «Tomar la conocida novela de Julio Verne y trasladarla a una historia actual, con nuevos personajes, y utilizando la más moderna tecnología, fue una oportunidad única y excepcional», comenta el director. «Mi objetivo con esta película fue capturar el espíritu de aventura, de descubrimiento, y el sentimiento de que todo es posible». Una historia atemporal, rendida al espectáculo, que visita nuestras pantallas revisitada por obra y gracia de los FX. Los cambios respecto al material original le dolerán a más de un espectador.

Autor: Borja Crespo
Fuente: Ideal

Brendan Fraser le quita poesía a Verne, y un "remake" innecesario

Posted in General with tags , , , on Setembre 6, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

Julio Verne es uno de los clásicos de la aventura: sus novelas han dado lugar a docenas de películas, algunas cubiertas de Oscars, como La vuelta al mundo en ochenta días, de Michael Anderson. El cine contemporáneo tenía un tanto olvidado al gran autor francés, y por eso esta nueva adaptación –en la estela de La Momia– nos devuelve el esplendor de un escritor visionario y brillante que simboliza como pocos la sensación, el riesgo y la fascinación de la aventura. Viaje al centro de la Tierra (título original en francés: Voyage au centre de la Terre) es una novela de Julio Verne publicada en 1864, la más imaginativa y la menos científica de sus obras, que trata de la expedición de un profesor de mineralogía, su sobrino y un guía al interior de la Tierra. La novela se ha llevado varias veces al cine. La versión más famosa es la de 1959, dirigida por Henry Levin y protagonizada por Pat Boone, James Mason, Diane Baker, Arlene Dahl y Thayer David. También posee interés la firmada por el especialista español Juan Piquer Simón en 1978, con Kenneth Moore al frente del reparto. El argumento es de sobra conocido: durante una expedición científica a Islandia, el visionario científico Trevor Anderson, su sobrino Sean y su bella guía, Hannah, quedan inesperadamente atrapados en una cueva. Estaban investigando la teoría extraña del hermano de Trevor, que creía en la existencia de un mundo subterráneo en las profundidades. El grupo tiene ahora como única salvación adentrarse más y más en el centro de la Tierra. De este modo viajan a través de mundos jamás vistos: los tres exploradores se encuentran cara a cara con criaturas irreales e imaginarias, entre ellas plantas que comen hombres, una piraña voladora gigante, pájaros que brillan y dinosaurios aterradores. Pero los protagonistas han de encontrar el camino de vuelta, lo que no resultará precisamente fácil. Eric Brevig es el director de esta nueva adaptación, que cuenta en el reparto con Brendan Fraser (la estrella de La Momia), Josh Hutcherson, Anita Briem, Giancarlo Caltabiano y Garth Gilker. El nuevo Viaje al centro de la Tierra utiliza las técnicas del 3-D (relieve en tecnología digital de última generación) para hacer participar al espectador en la vorágine de los efectos especiales, de los mundos maravillosos que se ocultan y que de repente aparecen ante los asombrados ojos de los protagonistas. Las secuencias de los dinosaurios son espectaculares y el ritmo no decae: al contrario se hace cada vez más frenético. Pero si no se contempla en una pantalla adecuada, los efectos de relieve pierden su magia, y la sucesión de golpes continuos en ocasiones desdibuja el encanto de los personajes originales trazados por Verne, los mismos que adornaban las dos versiones citadas antes, la de Henry Levin y la de Juan Piquer Simón. Por otra parte Brendan Fraser se esfuerza en la composición de su personaje, pero después de verle en todas las entregas de La Momia, a veces da la impresión de estar en una secuela de la serie, no en la piel de un científico creado por Julio Verne. Es el arquetipo del moderno cine de aventuras: acción y espectáculo, pero a menudo una cierta frialdad que termina perjudicando el producto final. Esa prodigiosa sensación de vértigo cinematográfico que Raoul Walsh, Howard Hawks, Cecil B. De Mille o Henry Hathaway imprimían a sus películas parece hoy irremisiblemente perdida.

Autor: Fernando Alonso Barahona
Fuente: El Semanal Digital