Arxivar per Còmic

Avalancha de superhéroes

Posted in SUPERHEROIS with tags , on Desembre 14, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

Marvel prolonga su alianza con Paramount para llevar al cine «Thor», «Los Vengadores», «El Capitán América» y dos secuelas de «Iron Man»

Tras los buenos resultados cosechados con «Iron Man», que ha recaudado casi seiscientos millones de euros en taquilla, Marvel Studios y Paramount Pictures han consolidado su alianza y han extendido su acuerdo a los próximos films de superhéroes de la factoría Marvel, que la editorial y ahora productora financiará y Paramount distribuirá en todo el mundo. A cambio de distribuir sus películas en exclusiva, Marvel ha conseguido rebajar de un diez hasta un ocho por ciento la comisión que se lleva el gigante hollywoodiense por comercializar sus cintas. Esta alianza incluye, en principio, cinco películas en los próximos tres años, entre secuelas de cintas ya estrenadas y nuevas aventuras de héroes del cómic todavía no vistas en la gran pantalla. Todo empezará con la segunda parte de «Iron Man», que se estrenará en mayo de 2010, y le seguirán «Thor», que verá la luz en julio de ese mismo año dirigida por Kenneth Branagh; «El Capitán América», prevista para mayo de 2011; «Los Vengadores», la reunión de los superhéroes más emblemáticos de Marvel, que se estrenará en julio de 2011, y finalmente la tercera entrega de «Iron Man», que todavía no tiene fecha de estreno. Así se enumera esta auténtica avalancha de superhéroes en la que Marvel y Paramount irán de la mano no sólo en el mercado estadounidense, sino también en el de todo el mundo. En el acuerdo, según revela una información publicada por la revista «Variety», se incluyen los cines de Japón, Alemania, Francia, España, Australia y Nueva Zelanda. Además de la distribución en los cines, Paramount también se encargará de los lanzamientos en DVD, Blu-ray y demás formatos del cine casero. Tras la firma del acuerdo, los directivos de ambas compañías se deshicieron el halagos y piropos para sus socios. «Después del éxito de “Iron Man” no podemos estar más contentos con nuestro nuevo acuerdo. Marvel es una marca emblemática, sus populares personajes y su probada capacidad para crear películas convincentes y visualmente cautivadoras son el complemento ideal para la gran historia cinematográfica de Paramount», afirmó Rob Moore, vicepresidente de Paramount. Por su parte, David Maisel, presidente de Marvel Studios, correspondió a los elogios afirmando que «Paramount es un socio excelente y un distribuidor global excepcional». El directivo de la editorial reconvertida en productora también destacó acerca de la alianza que «la experiencia de “Iron Man” ha demostrado su pasión y capacidad para distribuir en los cines de todo el mundo los productos Marvel, lo que nos permite centrarnos únicamente en hacer buenas películas». Los proyectos de los próximos tres años demostrarán si es así, si el acuerdo sirve para que Marvel siga la senda iniciada con la primera entrega de «Iron Man», que marcó un punto y aparte al suponer el debut de la editorial como productora exclusiva en la adaptación cinematográfica de uno de sus personajes emblemáticos.

Fuente: La Nueva España

Las chicas de ‘The Spirit’ llegan a Madrid

Posted in General with tags , , on Desembre 11, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

Paz Vega, Eva Mendes y Scarlett Johansson acompañan al director Frank Miller en la presentación de la adaptación cinematográfica del cómic de Will Eisner

Las chicas del Espíritu están en la ciudad. Paz Vega, Eva Mendes y Scarlett Johansson han acudido hoy a Madrid para presentar la adaptación cinematográfica del clásico del cómic The Spirit, serie con la que Will Eisner (1917-2005) inauguró el lenguaje narrativo del noveno arte. El encargado de trasladarlo a la gran pantalla ha sido el historietista Frank Miller, que también ha acudido a la presentación, y que debuta como director.

El cómic The Spirit, publicado como un encarte en la prensa entre 1940 y 1952, narra la historia del agente de policía Denny Colt, que es dado por muerto pero regresa de la tumba para luchar contra el hampa de Central City. Uno de sus rasgos distintivos es que no tiene superpoderes pero sí un gran atractivo, lo que le llevaba a mantener relaciones de amor-odio con diversas mujeres fatales.

Creador de cómics como Sin City y 300 y amigo personal del desaparecido Eisner, Miller afronta la adaptación de The Spirit como un reto. “Lo que quería capturar en la película es lo que estaba implícito en el trabajo de Eisner”, ha señalado Miller durante el rodaje. “Spirit era un poco sinvergüenza. Al mismo tiempo que tenía a Ellen Dolan como novia, tenía una gran debilidad por las mujeres”.

Esas debilidades son Vega, Mendes y Johansson, que encarnan a las chicas que vuelven loco a Spirit, a quien da vida Gabriel Macht (El buen pastor). Entre ellas destaca Sand Saref (Mendes), ladrona de joyas internacional y que cuenta en su haber con el mérito de ser la única mujer que ha roto el corazón de Spirit. Luego están Ellen Dolan (Sarah Paulson), su novia de siempre, Silken Floss (Johansson), la villana a las órdenes del malvado Octopus (a quien interpreta Samuel L. Jackson), y Plaster de París (Vega), una seductora bailarina. El director, sin embargo, prefiere destacar la faceta de vigilante urbano de Spirit. “El verdadero amor de su vida es Central City, y ella siempre está allí y es su alma gemela”.

“No es un superhéroe. No puede volar, no puede arrojar coches al aire. Pero tiene una extraordinaria cualidad: puede recibir una increíble cantidad de golpes y sanar más rápido que ningún otro. Así que, en medio de su aventura romántica, se encuentra en un viaje existencial para descubrir quién es en realidad”, añade Miller.

Los aficionados al cómic original siguen expectantes el estreno de The Spirit. Algunos blogs se muestran cautos ante las estética que Miller ha impreso al personaje de Eisner. El director se acerca a la ambientación tenebrosa de películas como Sin City y se aleja así del colorido y desenfado de las aventuras originales del defensor de Central City.

Fuente: El País

Una editorial promocionará el Belén del Tirisiti a través del cómic

Posted in General with tags , , on Desembre 11, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

La editorial alcoyana “Tívoli” promocionará el tradicional Belén del Tirisiti de Alcoy, declarado Bien de Interés Cultural Inmaterial (BIC), en diferentes municipios de la Comunitat Valenciana a través de un cómic.

Así lo ha anunciado hoy el concejal de Política Lingüística del Ayuntamiento de Alcoy, Jorge Gisbert, quien ha comentado que Gandía “será la primera localidad que se sumará a esta iniciativa debido al interés que despierta el belén en los escolares”.

El cómic, que se titula “Tirisiti arriba a Gandía”, cuenta las aventuras de Tirisiti cuando sale en globo de Alcoy.

En el transcurso del viaje, el globo explota y Tirisiti aterriza en Gandía, municipio en donde se desarrolla la acción de esta lectura.

Gisbert ha explicado que la historia “puede adaptarse a otras localidades de la Comunitat”, si bien ha indicado que “se ajusta a la idiosincrasia de este municipio de La Safor”.
Asimismo, la versión alcoyana de este cómic “servirá para que 7.000 alumnos practiquen la escritura y la lectura en valenciano”.

La campaña se completa con otras iniciativas como la edición de 7.000 cartas para los Reyes Magos y 7.000 ejemplares de un juego de la oca con los personajes del Tirisiti.
“Betlem del Tirisiti” recibió la “Distinción al Mérito Cultural” el 9 de octubre de 2004 y el Premio Nacional de Teatro Joven con carácter honorífico en julio de 2007.

Fuente: La Verdad

El Hobbit en comic

Posted in General with tags , , on Desembre 11, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

La tarea de adaptar a cualquier medio la obra de Tolkien es siempre un arriesgado ejercicio de superación para quien la emprende, dadas las inmensas capacidades del autor sudafricano para imaginar mundos y personajes y desarrollar historias. Las películas basadas en El Señor de los Anillos las tenemos a la vuelta de la esquina, y esperemos que no decepcionen a nadie, pero entretanto sería interesante echar una ojeada a una adaptación de nuestro autor favorito a un medio muy diferente, el comic, el llamado con justicia Noveno Arte.

En este caso la obra elegida fue el Hobbit, y su realización se llevó a cabo en el año 1990 por el guionista de Philadelphia Chuck Dixon y el dibujante de Connecticut, David Wenzel. Wenzel es un ilustrador muy conocido ya en el mundo de la fantasía, pues se ha decantado desde siempre por ese tipo de dibujos. En el tema que nos ocupa, digamos que ilustró primero un libro de El Hobbit, publicado por Ballantine Books en 1990. Posteriormente realizaría esta adaptación ya sí en comic, en formato prestigio, que publicó Eclipse Comics en enero de 1990. También interesará a los amantes del género la miniserie The Wizard Tales que realizó junto al guionista Kurt Busiek. Salió bajo el sello de Homage Publishing, y en España el encargado de publicarla fue Planeta de Agostini en 1998. Altamente recomendable. Diferente es el caso de su compañero de aventuras Dixon, que ha alcanzado altas cotas de popularidad y de prestigio encargándose de series tan emblemáticas como Batman, Detective Comics o Nightwing, todas ellas del sello DC Comics. Esta sería su primera incursión en el mundo de la fantasía épica. Para el que esté interesado en conocer más sobre los autores hemos incluido links a sus respectivas páginas (aviso de que están en inglés).

Ambos reputados personajes del mundo del cómic se abocaron a la siempre ardua tarea de adaptar una de las obras cumbre de la literatura al medio que ellos más conocen, y hemos de decir que el resultado fue sobresaliente. Los dibujos de Wenzel son asombrosos, como no podía ser de otra manera, y el guión de Dixon respeta fielmente el original, algo muy lógico teniendo en cuenta que se parte de una base imposible de mejorar.

La obra se compone de tres tomos de lo que se ha dado en denominar formato prestigio, esto es, cubierta de cartoné, e interiores con papel de un gramaje bastante superior al de los comics de formato estandar. Con ello se pretendía dar una mayor calidad al resultado final. Eso, inevitablemente, también se traduce en el precio. Hemos de decir que hoy en día las ediciones en formato prestigio son habituales tanto en EEUU como en España, pero no lo eran tanto en aquella época, y se destinaban sólo a obras a las que se pretendía dar un acabado perfecto. El calificativo “prestigio” lo dice todo, y, por supuesto, se consideró que este era el formato adecuado para este lujo que se iba a poner a la venta.

Ya la portada del primero de los tres tomos invita a sumergirse en su lectura. Al aficionado al mundo de Tolkien ver a Gandalf presentarse en Hobbiton ante la casa de Bilbo Bolsón, hace que uno se lance inmediatamente sobre el comic y hojee con avidez el interior. No defrauda. Tampoco lo hará al que no haya leído el libro. Este primer tomo comprende hasta mediado el capítulo cinco de El Hobbit, cuando los autores hacen una pausa dramática en el momento en que Gollum plantea el juego de los acertijos a Bilbo bajo las Montañas Nubladas. En este número asistimos a la reunión inesperada de enanos en casa de Bilbo, la aventura con los Trolls, la llegada a Rivendel y el peligroso paso de las montañas, todo ello narrado en las palabras del propio Tolkien sabiamente colocadas en donde corresponde, y con la fantástica capacidad narrativa del señor Wenzel. Porque para ser un buen dibujante de comics no basta con ser un buen ilustrador, se necesita ser un buen narrador, y Wenzel sin duda lo es.

El segundo número retoma el tema de los acertijos donde nos dejó el primero, y se extiende hasta lo que sería el capítulo 10 en el libro, el capítulo de Una Cálida Bienvenida. La cubierta nos presenta a Gollum y Bilbo “jugando” al juego. Si el anterior número invitaba a leer, este nos atrae como un imán. Aquí asistimos a todos los acontecimientos que llevan a nuestros amigos hasta que escapan de los elfos del Bosque Negro, destacando los episodios del rescate a cargo de las Aguilas, de la llegada a casa de Beorn, y por supuesto del intento fallido de Bilbo y los enanos de atravesar el Bosque Negro. Allí caen presa de los elfos pero consiguen escapar escondidos en toneles, dejándonos con la expectación de ver qué ocurrirá al fin con su misión, cosa que el tercer y definitivo número nos presenta magníficamente.

La portada de este tercero representa en la portada al dragón Smaug, pillando “in fraganti” a nuestra compañía de saqueadores cuando tratan de introducirse en la Montaña Solitaria. Sobran las palabras: a devorar el interior. En este número por supuesto se da por finalizado el libro, pero puede que contenga los mayores tesoros visuales de toda la obra. La llegada a Esgaroth mantiene el tono del resto de los números, pero desde que entra en escena Smaug todo el comic se transforma (si no lo era ya suficientemente) en un auténtico lujo para la vista. Apoyado por los poderosos y seductores retazos del texto de Tolkien, que Dixon va dejando caer apropiadamente, asistimos a la conversación de Bilbo con Smaug, al ataque de este sobre Esgaroth y su muerte por una flecha negra lanzada por Bardo, el heredero del Señor de Valle. Asistimos, finalmente y para deleite nuestro, a la Batalla de los Cinco Ejércitos, donde Hombres y Enanos se enfrentan a Trasgos y Lobos, y son oportunamente ayudados en el último momento por las Aguilas y por el propio Beorn, convertido en oso.

Lo dicho, una auténtica joya del Noveno Arte que sería una lástima que pasara desapercibida para todos los amantes del buen comic, para los fans de Tolkien, y para los muchos que se incluyen en ambas categorías. Esta obra fue publicada en España en el año 1991 por la editorial Norma Editorial. Afortunadamente, las librerías especializadas consultadas por el que esto suscribe han confirmado el hecho de que aún se encuentra a la venta, y que se puede conseguir sin ningún tipo de problema. De todos modos, se supone que con la notoriedad que va a adquirir Tolkien a raiz de la proyección de las películas, es fácil pensar que se vaya a hacer una reedición de esta pequeña obra de arte.

Como apunte final, para ver muchas de las páginas de estos tres comics que he comentado, en este site hay escaneadas un buen montón. Que lo disfrutéis… y no se os ocurra dejar de creer en las profecías, ni aunque ayudéis a cumplirlas. Buen viaje.

Fuente: El Fenómeno

Carpanta, bastante más que una palabra del DRAE

Posted in General with tags , , on Desembre 11, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

Uno, a veces, aunque sólo sea para distraerse, desempolva el diccionario de la R.A.E. y busca palabras cuyos significados desconoce. Y, a veces también, se lleva sorpresas. Como la que me llevé yo hace poco tiempo. Andaba por la letra c (carpa, carpancho, carpanel …) cuando me tropecé con el siguiente vocablo: carpanta: “1. Fam. Hambre violenta”. Había un par de significados añadidos, pero lo cierto es que no me interesaban. Así que Carpanta, el nombre de aquel conocido personaje de la extinta revista ‘Pulgarcito’, significaba hambre. Seguro que el bueno de Escobar, su creador, era plenamente consciente de ello cuando decidió bautizar a su criatura de tinta y papel con aquel nombre: Carpanta. Sin embargo, mi curiosidad en aquellos momentos andaba ya aguijoneada y, recordando a mi malogrado profesor de latín y griego, Alberto Sánchez Pantoja, el hombre de los jerseys de cuello redondo, que nos aficionó a las etimologías de las palabras, acudí al ‘Breve diccionario etimológico de la lengua castellana’ de Joan Coromines. Y de nuevo encontré carpanta, aunque lo que allí vi no me sirvió de mucho: “H. 1840. Voz jergal de origen incierto”. De tan sucinta información, sólo podía extraer una conclusión: que del vocablo Carpanta no se conocía su procedencia, pero sí que había constancia escrita de su existencia hacia el año 1840, aunque era muy posible que la palabra se utilizase desde mucho antes.

Así que el bueno de Carpanta, que tantas horas de entretenimiento me proporcionó de pequeño, poseía un nombre de procedencia incierta. Bien, daba igual. Lo innegable es que desde que Escobar dibujó a su personaje, el vocablo cobró plena vigencia y pasó a formar parte del lenguaje coloquial, del lenguaje de la calle. La frase “pasas más hambre que Carpanta” en su tiempo fue, y aún ahora es, muy popular.La primera historieta de Carpanta apareció en el semanario ‘Pulgarcito’ en el año 1947. Su título: ’13 a la mesa’. El argumento era convencional: en una cena de alto copete, se reúnen trece invitados. La señora de la casa, horrorizada, “¡Oh! Somos trece en la mesa. De seguro que ocurrirá alguna desgracia. Hay que evitarlo”, ordena a su mayordomo que busque a alguien para sumar catorce comensales y eliminar el mal fario de la fatídica cifra. El sirviente aprovechará la visita de un mendigo, que había acudido a la mansión para pedir algo de comer, y le invitará a cenar. Ese mendigo, que no tendrá nombre durante toda la historieta, se convertirá en Carpanta. Todavía hay un detalle que añadir: el mayordomo, para que no desentone entre los demás asistentes, le entregará una levita negra, una camisa blanca y la pajarita que sustituirán a sus andrajosas ropas. Carpanta, en una total contradicción estética, se convertirá por tanto en mendigo selecto, de etiqueta, de “smoking”. A partir de esa primera historieta, las andanzas de Carpanta son una sucesión de aventuras en las que el personaje pocas veces consigue comer. Salvo en los almanaques navideños de ‘Pulgarcito’, donde tradicionalmente el artista barcelonés le permitirá “mover el bigote”, bien por sus propios medios, bien introduciéndolo en las viñetas de alguna otra de sus criaturas. En esto, los dibujantes de Bruguera y sus respectivos vástagos se mostraban muy solidarios, y era frecuente el intercambio de personajes entre autores, de tal modo que Gordito Relleno podía aparecer en una historieta de Carpanta y éste en una de Don Pío o viceversa.Carpanta que, aparentemente, no es más que un mendigo hambriento, desempeña una profesión: Perito en Ayunos y, como tal, su oficio consiste en no comer, por más que sienta hambre de continuo. El propio personaje afirma, resignado, que en su trabajo “mejor eres cuanto más hambre pasas”. Son frecuentes las historietas en las que Carpanta, llevado por la desesperación y las telarañas almacenadas en su estómago, muerde pollos de cartón piedra o frutas de plástico, perdiendo además alguna de las pocas muelas que le quedan vivas.Pero lo que realmente llama la atención de Carpanta, además de la lucha establecida entre su impenitente apetito y su condenación a no comer porque así lo exige el guión, es el mundo que le rodea. Sus correrías, en muchas de ellas acompañado por el egoísta y pretencioso Protasio, suelen iniciarse con un bucólico paseo por el parque o por el campo sin otro objetivo que “a ver que cae”. Muchas de ellas terminan en restaurantes, donde unas veces, pocas, come; otras, la mayoría, no come; y unas terceras, come y friega platos porque carece de dinero para pagar la cuenta. Nuestro vagabundo vive debajo de un puente de tres ojos. Dadas las penurias económicas de la época que le tocó vivir, durante un tiempo ocupará la parte superior del puente, mientras que los ojos del mismo le permiten tener realquilados. Más adelante habitará él solo todo el puente. Resulta también curioso que, pese a que no tiene un duro, Carpanta dispone de teléfono en su chamizo. Un teléfono que utiliza, por ejemplo, para llamar a su médico particular, quien afirma “que es el único de mis clientes al que nunca he tenido que recetar nada contra la indigestión”.En las historietas de Carpanta podemos observar también un pequeño juego metaliterario. En efecto, Escobar, que no tiene ningún recato en autocaricaturizarse, participa en muchas de ellas. En una de tantas Carpanta va a visitarle porque afirma tener “derecho a quince días de vacaciones reglamentarias”. A lo que su autor le responderá que cuando él – el dibujante – consiga vacaciones, Carpanta también las tendrá. Esta respuesta provocará las iras del Perito en Ayunos que protestará visiblemente alterado: “¿Así es que he de estarme todo el año sin comer? ¿No puedo dejar de hacerlo ni quince días tan sólo?” Y Escobar, antes de pegarle una patada y tirarlo a la calle, zanjará la reivindicación con una frase definitoria y lapidaria: “Lo siento, hijo, pero tu destino es no comer”.Carpanta no apareció exclusivamente en ‘Pulgarcito’, ya que a partir de los años sesenta sus historietas fueron publicadas prácticamente en casi todas las revistas de la Editorial Bruguera. Su popularidad llegó a tal extremo que algunos lectores, según cuenta el estudioso y especialista en cómics Antoni Guiral en su magnífica obra ‘Cuando los cómics se llamaban tebeos’, llegaron a enviar comida o dinero a la redacción para que nuestro antihéroe pudiera comer un poco. La censura no permaneció tampoco ajena a la existencia de este personaje y, como en la España de Franco no se pasaba hambre, las autoridades a punto estuvieron de prohibir la serie. Hace poco más de un mes, se cumplió el centenario del nacimiento de Josep Escobar i Saliente (Barcelona, 1908-1994), padre de un montón de personajes además de Carpanta: Petra, criada para todo; Zipi y Zape; Don Óptimo; Plim el magno; Toby; Doña Tula; Blasa, portera de su casa; Aniceto artista completo; Nati y Tina; Don Óptimo; Melitón bombero de afición … Escobar comenzó a trabajar en los periódicos ‘Virolet’, ‘La Gralla’ o ‘Sigronet’ allá por los años veinte, para pasar después a ‘Papitu’, ‘Pocholo’, ‘Gutiérrez’, ‘Lecturas’, ‘L’Esquella de la Torratxa’ y ‘L’Esquellot’. Era funcionario de correos pero, tras la Guerra Civil, fue depurado y encarcelado. Tras su excarcelación, ingresó en la Editorial Bruguera, donde desarrollaría en diferentes etapas su labor para ‘Pulgarcito’, ‘Tío Vivo’ o ‘Guai!’ También colaboró en ‘TBO’ y los diarios deportivos ‘Dicen’ o ‘Lean’. Fue autor y actor teatral, creador de cursos de dibujo por correspondencia y pionero en el cine de animación de nuestro país (entre 1942 y 1947 dirigió nueve cortometrajes de dibujos animados). En este terreno y con la película ‘Érase una vez’ ganó un premio en el Festival de Venecia de 1950. De Josep Escobar conservaremos siempre su caricatura, su pipa y la imagen de sus personajes, auténticos retratos sociales del momento. De su bonhomía, de la de Escobar, digo, no hablo. No hace falta. Se desprende de todas y cada una de sus criaturas.La serie ‘Super Humor Clásicos’ celebra este centenario dedicándole su nº 5, que lleva por título ‘Lo mejor de Escobar’. Un volumen indispensable para el recuerdo y la investigación, en el que se recogen historietas de la mayoría de personajes del dibujante catalán, y en cuyo prólogo, de nuevo Antoni Guiral señala: “Necesitamos reivindicar a nuestros clásicos. Lo necesitamos porque no están ahí, en la sociedad, en la calle, en los museos, en las librerías, donde deberían de estar […] Escobar, como muchos otros de sus compañeros, ha de permanecer vivo ahora, aquí, pero también mañana y en el futuro. Y eso sólo se consigue cuidando de su patrimonio y divulgando su obra de forma coherente, organizada y continuada”. A nuestros hijos, además de un planeta habitable, tenemos que legarles testimonios de nuestro pasado: el tebeo, especialmente el de Bruguera, alimentó nuestra infancia y parte de nuestra primera juventud y, de alguna manera, nos moldeó para ser como somos. Bueno es, por tanto, que quede constancia de lo que leímos entonces, de lo que enriqueció nuestras fantasías y nuestros sueños, de lo que provocó nuestras risas y tristezas. De este modo, quizás con ayuda del paso del tiempo, nuestros hijos nos conozcan un poco mejor.O un poco más.

Autor: Herme Cerezo
Fuente: Diario Siglo XXI

Nació Maurice de Bévère, el creador de Lucky Luke

Posted in General with tags , , on Desembre 11, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

Maurice de Bévère, conocido como Morris, fue un dibujante de historietas belga. Nació el 1 de diciembre de 1923 en Kortrijk, Bélgica, y murió el 17 de julio de 2001 en una caída accidental. Morris es considerado uno de los más notables historietistas belgas del siglo XX. Su creación más conocida es el vaquero Lucky Luke (1955-2001), que desarrolló junto con el francés René Goscinny, quien escribió el guión de las aventuras durante los primeros 22 años de la historieta. Nacido en Courtrai, Bélgica, Morris empezó dibujando en la “Compagnie Belge d’Actualités (CBA) animations studios”, unos pequeños y recién creados estudios de animación en Bélgica, donde se encontró con Peyo y André Franquin. Tras la guerra, la compañía cerró y Morris trabajó como ilustrador para “Het Laatste Nieuws”, un periódico Flamenco, y “Le Moustique”, un magazine semanal publicado por Dupuis, para el que hizo unas 250 portadas y otras numerosas ilustraciones, principalmente caricaturas de estrellas de cine. Lucky Luke Lucky Luke, conocido por ser “más rápido que su propia sombra”, se enfrenta al crimen y la injusticia, deteniendo forajidos, escoltando caravanas de pioneros, o ejerciendo de mediador del Gobierno de EE.UU. en misiones diplomáticas particularmente delicadas. El cowboy se caracterizó en los inicios de la serie por tener constantemente un cigarrillo entre sus labios, aunque Morris lo reemplazó con una pajita en 1983, lo que le valió el reconocimiento de la Organización Mundial de la Salud. Al final de cada historieta, excepto en los primeros números, Lucky Luke cabalga hacia el sol poniente, cantando “I’m a poor lonesome cowboy, and a long way from home” (“Soy un pobre cowboy solitario, y estoy lejos de mi hogar”). En varios de los números los guionistas autoparodian este recurso; en una historieta Jolly Jumper llega a decirle a Lucky Luke, “Encuentro que ya va siendo hora de que cambies de repertorio, cow-boy”. Después de Tintin y de Astérix, Lucky Luke es el cómic más popular de Europa continental. Extrañamente, se han publicado pocas aventuras del vaquero en el idioma inglés. Por otra parte, existen películas y juegos de computador de este famoso cowboy.

Fuente: Universia

The Spirit

Posted in General with tags , , , on Desembre 11, 2008 by Biblioteca Plaça Europa

Frank Miller, el visionario creador de Sin City, Ciudad del Pecado y 300, lleva el cómic a otra nueva dimensión en su debut como director en solitario con su película The Spirit. Adaptada sobre la serie de cómics del gran Will Eisner, The Spirit fusiona con maestría la historia con brillantes gráficos generados por ordenador (CGI) que nos transporta en un estilizado mundo de aventuras, peligro y romance. Miller se propuso como punto de partida para la obra maestra de Eisner, hacer una película de calificación apta para mayores de 13 años, posibilitándole explorar nuevos caminos para contar la historia. Y en este intento, se revela otra faceta de Frank Miller, su faceta de realizador.

The Spirit es la historia de Denny Colt, un policía que fue asesinado y que misteriosamente vuelve a la vida como el enmascarado luchador contra el crimen llamado Spirit. Determinado a mantener a su amada Central City a salvo, Spirit persigue a los villanos de Central City desde las sombras y busca terminar con el peor de todos ellos: el psicótico megalómano conocido como Octopus. A pesar de lo ocupado que lo mantiene esta misión, el deslumbrante guerrero siempre se las arregla para tener tiempo para las bellas mujeres, aunque nunca está seguro de si ellas quieren seducirlo, amarlo o matarlo. Pero hay una dama que nunca lo traicionará y a la que siempre será fiel: Central City, la vieja y orgullosa metrópoli donde nació… dos veces.

Para dar vida en la pantalla a este clásico del cómic, Miller ha reclutado a un dinámico reparto de grandes estrellas y prometedores actores. Como el héroe protagonista, Gabriel Macht hace una actuación estelar que nos remite a los principales actores de la era dorada de Hollywood. A él se unen Samuel L. Jackson como el diabólico Octopus; Scarlett Johansson como la compinche de Octopus, la brillante y glacial Silken Floss; Eva Mendes como la seductora ladrona de joyas Sand Saref; Sarah Paulson como la incondicional amada de Spirit, la doctora Ellen Dolan; Jaime King como Lorelei, el fascinante fantasma de bajo las aguas; Paz Vega como la peligrosa bailarina lanzadora de cuchillos, Plaster de París; Dan Lauria como el severo Comisario Dolan; Stana Katic como Morgenstern, una joven y entusiasta policía y Louis Lombardi en el múltiple rol de los secuaces clonados de Octopus. Los artesanos detrás del telón de la película incluyen al aplaudido director de fotografía Bill Pope, ASC (Spiderman 2 y 3, la trilogía de Matrix, Lazos ardientes) y el supervisor de efectos visuales Stu Maschwitz (Los 4 Fantásticos y Silver Surfer, Sin City, Ciudad del Pecado).

Sinopsis

Es una noche iluminada por la luna en Central City, y Spirit (Gabriel Macht) recibe una llamada. Una especie de turbio asunto se cierne sobre las marismas frente a los muelles, en él están involucrados un antiguo barco de carga hundido y el criminal más temido de la ciudad, Octopus (Samuel L. Jackson). Spirit entra en acción, Octopus lucha extrañamente feliz contra él hasta que los dos hombres están casi exhaustos por los golpes. Al mismo tiempo, la gélida cómplice de Octopus, Silken Floss (Scarlett Johansson), vuelve hacia sus cuarteles generales subterráneos con uno o dos misteriosos tesoros saqueados de las profundidades del mar.

Cuando el humo se disipa, un policía está muerto y otro se debate débilmente entre la vida y la muerte. Spirit debería estar muerto también, le han disparado, acuchillado, pateado hasta el cansancio y más. Mientras su firme amada, la cirujana Ellen Dolan (Sarah Paulson) sutura sus heridas, Spirit sabe que sus heridas se cerrarán, y rápido. Lo que no sabe, es ¿por qué?De todas maneras no hay tiempo para descifrar el acertijo, mientras Octopus siga suelto, nadie en Central City estará a salvo. Y hay más, Octopus no era el único en las marismas esa noche, había también una mujer, y todo apunta como candidata a la improbable ladronas de joyas internacional, Sand Saref (Eva Mendes).

Sand Saref. Sólo el nombre hace que el corazón de Spirit se detenga, lo que el primer amor de un hombre es capaz de hacer. Pero eso fue hace mucho tiempo, cuando Sand Saref y Denny Colt eran vecinos de niños. Antes de que la tragedia se interpusiera entre ambos y cambiara radicalmente el rumbo de sus vidas. Sand había jurado no volver nunca a Central City. ¿Podía ser que la mujer en las marismas fuera ella? ¿Y era posible que la antigua vecina que Denny conoció se hubiera convertido en una mujer capaz de matar? Cuando otro cuerpo sin vida aparece, Spirit intensifica la búsqueda de su amor perdido. Al mismo tiempo, Octopus, Silken y la infinita banda de alegres e idénticos secuaces (Louis Lombardi) también están a la caza de la ladrona de joyas en búsqueda de un intercambio de tesoros que es el motivo por el que todos se encontraran en las marismas aquella noche. Una vez que el intercambio se realice, Octopus podrá poner en marcha el plan maestro para controlar totalmente a Central City. Sólo un hombre, Spirit, podría detenerlo. Pero Octopus conoce más sobre nuestro héroe que él mismo, y no tan sólo la causa de su aparente inmortalidad sino también de su cura.

Lionsgate y Odd Lot Entertainment presentan una producción de Old Lot Entertainment/Lionsgate, THE SPIRIT. Escrita para la pantalla y dirigida por Frank Miller. Basada en la serie de cómics “The Spirit” creada por Will Eisner. Producida por Deborah Del Prete, Gigi Pritzker y Michael E. Uslan. Director de fotografía, Bill Pope, ASC. Dirección artística, Rosario Provenza. Montaje, Gregory Nussbaum. Diseño de vestuario, Michael Dennison. Supervisor de efectos visuales, Stu Maschwitz. Banda sonora original de David Newman. Producción ejecutiva de Benjamin Melniker, Steven Maier, William Lischak, Michael Paseornek y Michael Burns. Coproductores, Linda McDonough y F.J. DeSanto. Coproductor ejecutivo, Jeff Andrick. Gerente de producción, Alton Walpole. Dirección de casting, Tricia Wood, C.S.A., Jennifer Smith, C.S.A., y Deborah Aquila, C.S.A. Protagonizada por Gabriel Macht, Eva Mendes, Sarah Paulson, Dan Lauria, Paz Vega, Jaime King, con Scarlett Johansson y Samuel L. Jackson como “Octopus”.

La producción

The Spirit reúne a dos visionarios del oficio de contar historias en el arte gráfico: Frank Miller, el creador de clásicos contemporáneos de vanguardia como “Sin City”, “300” y “El regreso del caballero oscuro” (The Dark Knight Returns); y Will Eisner, un pionero del cómic actual estadounidense. Eisner rompió todos los moldes del cómic cuando introdujo “The Spirit” en 1940; ahora Miller logra una proeza similar con The Spirit, una película basada en un cómic que no se parece a ninguna de las que se han hecho con anterioridad.Miller cita a Eisner como uno de sus primeros grandes inspiradores. “La primera vez que me encontré con un cómic de Will Eisner tenía 13 años, y pensé que él era un nuevo talento”, cuenta Miller. “Su trabajo tenía 40 años pero parecía más fresco y nuevo que nada de lo que hubiera visto antes”.

Eisner estaba apenas en sus 20 años cuando se puso a la vanguardia del movimiento del nuevo cómic al crear “The Spirit” como un inserto semanal de tres o cuatro viñetas dentro de un periódico. La serie no sólo aceleró la evolución artística del cómic de viñetas en las páginas de entretenimiento, se convirtió en el incubador de innovaciones formales y narrativas. En el momento que invencibles luchadores con capas como Batman y Superman hacían olas, Eisner creó a un héroe enmascarado en traje, guantes y sombrero, y sin poderes sobrehumanos en su haber. Tampoco era millonario o alienígena, sólo un policía que una vez se llamó Denny Colt y que todos creen está muerto. Spirit fue un personaje mucho más adulto, con un sentido del humor irónico, debilidad por las mujeres y una inquebrantable devoción por Central City, el conflictivo conglomerado urbano que él llama hogar. Y Eisner hizo una crónica de sus aventuras con un alto sentido del movimiento, con ilustraciones que evocaban las inusuales composiciones descarnadas y las perspectivas espaciales de trabajos como Ciudadano Kane.

Miller comenzó a trabajar en libros de cómic cuando conoció a Eisner en una fiesta en la ciudad de Nueva York. “Estaba escribiendo y dibujando uno de mis primeros números de ‘Daredevil’ para Marvel Comics”, recuerda. “Eisner le echó un vistazo a la primera página e inmediatamente me dijo que era lo que no funcionaba. Comenzamos a discutir acerca de la utilización del texto, y eso se convirtió en un debate que lleva más de 25 años, acerca de cómo hacer que un cómic funcione y de qué manera funciona. Tenemos una fiera, saludable y entrañable amistad. He aprendido mucho de él”.

Mantenerse fiel a “The Spirit”

En 1992, Uslan, que ayudó al comienzo de una era moderna en las películas de cómic para adultos cuando produjo Batman de Tim Burton (1989), compró los derechos de The Spirit a Eisner. Al hacer el trato con Eisner, Uslan recuerda que le hizo una promesa simple y sincera: “Le juré a Will que nadie podría tocar The Spirit, ni productora, ni persona, a menos que estuvieran dispuestos a respetar el original y a hacerlo de la manera correcta”. Casi una década después, el actor Dan Lauria presentó a Uslan a Del Prete y a su socia la productora Gigi Pritzker. Del Prete se quedó intrigada cuando supo que Uslan poseía derechos de libros de cómics. “Le dije a Michael, ‘siempre quise hacer una película de un cómic’”, recuerda Del Prete. “‘Somos realizadores independientes, podemos desarrollar las cosas a nuestra manera. He estado buscando este tipo de películas’”. Uslan no vio a la gente de Odd Lot hasta mucho tiempo después. Seguía frustrado en su cruzada por “Spirit” y tuvo una reunión con Del Prete en 2004, determinado a hacer su “Spirit” ataque. “Tuvimos una agradable conversación y entonces ella me dijo, ‘¡finalmente me has traído algo! ¿Qué me has traído?’”, recuerda Uslan. “Y dije, ‘Deb, te traigo el mejor trabajo creativo que ha dado la industria del cómic en los últimos 70 años’. Me miró y me dijo, ‘no me digas que tienes los derechos de ‘The Spirit’’. Miré al cielo y dije, ‘¡Mama, estoy en casa!’ ¡Ella era la primera persona que conocía a ‘The Spirit’! Fue un momento mágico”.

Del Prete agrega, “los cómics nos enseñaron a contar historias en imágenes. Siempre quise hacer una película sobre un cómic, pero no cualquiera. Siempre pensé que ‘The Spirit’ era una magnífica creación, y estaba entusiasmada con producir esta película”.Frank Miller estaba primero en la lista de Odd Lot como potencial escritor de la película The Spirit. En muchas formas era el heredero de Eisner, y Del Prete y Pritzker estaban determinados a conseguirlo. Cuando Eisner murió en enero de 2005 a los 87 años, le preguntaron a Uslan quiénes asistirían a la ceremonia que se celebraba en la ciudad de Nueva York, y cuando se encontraron con Miller le hablaron de escribir y dirigir The Spirit. En un principio Miller puso objeciones, ¿cómo podía él tocar el trabajo de su maestro y mentor? Miller se retiró, pero poco tiempo después llamó y dijo las palabras que la producción de The Spirit quería escuchar: “No puedo dejar que ningún otro lo toque”.

El compromiso de Miller agregó un gran sentido de que era el momento para The Spirit. Como lo explica Del Prete, “tienes a Will Eisner, literalmente uno de los creadores del cómic. Luego tienes al hombre que es el icono absoluto del cómic de hoy, Frank Miller, que fue el protegido, el par, el amigo y compañero de batalla de Will. Es un golpe maestro”. Acerca del guión

Miller se rodeó de paneles con material gráfico de Eisner cuando se preparó para comenzar a escribir el guión. “En un principio pensé en términos de un novelista como Raymond Chandler, e iba a trabajar con ese tipo de narrativa”, cuenta el guionista y director. “Pero descubrí que Chandler era una referencia totalmente equivocada, que Eisner era mucho más un O. Henry. Él contó una serie de historias cortas, algunas de las cuales son muy bellas. Decidí elegir mi preferida, una de dos partes acerca de Sand Saref y comenzar a desarrollar a partir de ella”.

Sand Saref, la sexy ladrona de joyas internacional es una de las muchas encantadoras damas que Eisner creó en “The Spirit”. Entre las otras seductoras y amadas que se hicieron un lugar dentro de la narrativa de Miller están Ellen Dolan, hija del comisario de policía de Central City, la exótica cantante Plaster de París, el genio glacial de Silken Floss y el ángel de la muerte de las profundidades, Lorelei. “Lo que quería capturar en The Spirit es lo que estaba implícito en el trabajo de Eisner”, explica Miller. “Spirit era un poco sinvergüenza. Al mismo tiempo que tenía a Ellen Dolan como novia, tenía una gran debilidad por las mujeres. Pero el verdadero amor de su vida es Central City, y ella siempre está allí y es su alma gemela”.

Spirit se arriesga por su ciudad y Eisner con frecuencia sometía a su héroe a todo tipo de maltrato físico a manos de sus enemigos. La habilidad de Spirit de recibir un golpe, y luego más, se convirtió en el tema central del argumento de Miller. “Spirit sabe que es un policía que murió de un disparo y que misteriosamente volvió a la vida pero no tiene idea de por qué”, cuenta Miller. “No es un superhéroe. No puede volar, no puede arrojar coches en el aire. Pero tiene una extraordinaria cualidad: puede recibir un increíble cantidad de golpes y sanar más rápido que ningún otro. Así que en el medio de su aventura romántica, se encuentra en un viaje existencial para descubrir lo que en realidad es”.

La respuesta a esta pregunta, decidió Miller, la tiene Octopus, uno de los icónicos villanos de Eisner. En la serie original, Octopus estaba representado solamente con un par de guantes blancos. Miller optó por mostrar el personaje en su totalidad, reinventándolo como un resentido juez de Central City que financia sus retorcidos experimentos genéticos a través de un lucrativo tráfico de drogas. En el estilo de los grandes libros de cómics, Octopus es el polo opuesto de Spirit. “Así como Spirit lleva el orden al mundo, Octopus lleva el caos. Así como Spirit busca ayudar a la gente, Octopus busca esclavizarlos”, afirma Miller, “además, está categóricamente chiflado”. Eisner siempre escribió para que su héroe fuera contemporáneo, y Miller siguió ese ejemplo al escribir The Spirit. Aunque Miller agregó su propia vuelta de tuerca en lo que a noción de “contemporáneo” se refiere, dándole un estilo a la historia que mezcla elementos de muy diferentes tiempos. Así, The Spirit se desenvuelve sobre un paisaje donde las mujeres van vestidas de punta en blanco, los hombres llevan trajes y sombreros y los taxis son elegantes sedan de los años 50. También es un mundo con teléfonos móviles, chalecos antibalas y clones. Las aventuras de la película tienen un nivel de agitación y violencia que hablan más del Siglo XXI que de los años 40. Al mismo tiempo el irreverente humor que es intrínseco al universo de Eisner, y por lo que es conocido, está sazonado con la característica mordacidad de Miller.

La productora Del Prete fue una colaboradora clave durante los meses que Miller estuvo dando forma y puliendo el guión. “El tono del guión es lo que creo que el tono del cómic era. Es aventura, es romance pero también mucho sentido del humor”, dice Del Prete. “Hemos sido siempre muy cautelosos a la hora de respetar los elementos de ‘The Spirit’ que son la tradición de Eisner. Dicho esto, el es Frank Miller y él aporta su propio y específico punto de vista”.

Pritzker, una recién llegada al mundo de los cómics, sirvió como representante del espectador de cine general sin conocimiento previo de “The Spirit”, Will Eisner o Frank Miller. “Era importante que The Spirit fuera accesible a la gente que no necesariamente fueran del mundo del cómic”, dice Pritzker. “Y creo que lo es. Tiene estupendas bromas para aquellos que son de este mundo, pero para aquellos que no lo somos, es una historia fantástica y muy graciosa”.Reparto y

Personajes

Mientras que en las películas sobre cómics el papel del héroe lo tiene una gran estrella, los realizadores de THE SPIRIT quisieron algo diferente y prefirieron decantarse por un actor un poco menos conocido. Como lo dice Del Prete, “queríamos que Spirit fuera simplemente Spirit para el público”.La voz profunda, resonante e irónica de Gabriel Macht y la expresión al mínimo, captó la inmediata atención de los realizadores cuando llegó a hacer la primera lectura. “Hollywood tiene toneladas de brillantes actores masculinos, pero Gabriel trajo ese humor a lo Chandler y una presencia física masculina que desde hace tiempo está ausente en las pantallas actuales”, comenta Miller. “El crea un gran Spirit en la tradición del cine negro”. En cuanto aceptó el desafío de Spirit, Macht se sumergió en los dibujos de Eisner. El actor explica, “al estudiar los cómics de Eisner fui capaz de absorber su características físicas, la forma en que mueve la cabeza, la forma en que mira a alguien, el modo en que lleva el sombrero o mueve los hombros, algunas de las cosas que realmente definen para mí a Spirit”. Macht aprecia las imperfecciones humanas de Spirit, “Spirit puede hacer cosas que otros policías no pueden y su fuerza física es bastante asombrosa. Pero por otro lado es un tipo torpe, en la manera en que Eisner lo dibujó, se está tropezando todo el tiempo con las cosas. Eso es parte de lo que lo hace encantador”.

La perspectiva de trabajar con Miller atrajo a una gran cantidad de actores, incluyendo a Samuel L. Jackson, quien da vida al archienemigo de Spirit, Octopus. Tan pronto como Miller decidió cambiar los guantes blancos que representaban a Octopus por un antagonista de carne y hueso, pensó en la famosa estrella. “Tenía que buscar al mejor villano posible, y ahí estaba Sam. Él fue mi primera y única opción para el papel”.Jackson, un ardiente fan de los cómics no necesitó que lo convencieran. “He sido un admirador de Frank Miller por mucho tiempo, desde ‘The Dark Knight’, ‘Sin City’, ‘300’ y todo lo demás”, dice Jackson. “El hecho de que Frank quisiera que fuera Octopus es un motivo de orgullo para mí”.

Con Jackson a bordo, Octopus asumió dimensiones casi operísticas como villano, y el actor se transformó con entusiasmo para su papel. Es un personaje que inspira la risa y también el miedo, haciendo que sea perfecto para el universo de The Spirit. Como Jackson menciona, “Will Eisner tenía un gran sentido del humor, y esta película tenía que mantener el elemento de comedia. Así que Octopus es un poco teatral, se pone disfraces y cambia de apariencia a su capricho. Es un individuo muy inteligente, o tal y cómo él se refiere a sí mismo, una criminal mente maestra”.

Y junto a Octopus, cambiando vestuario a la par está su protegida de corazón frío Silken Floss, interpretada por Scarlett Johansson. Miller reescribió el personaje original de Eisner, en una versión más joven, después de reunirse con Johansson para hablar de un personaje totalmente diferente. “Me fui de la reunión pensando, ‘no sirve para este papel, es demasiado joven. Pero tengo que escribir algo para ella’. Me quedé impresionado con la mujer, lo inteligente, graciosa y austera que era. El personaje de Eisner era una astrofísica reprimida sexualmente de muy buenas formas y completamente enamorada de Spirit. Decidí hacer un contrapunto y darle a Silken su juventud perdida”.

Johansson estuvo encantada con su imperturbable personaje, que ella describe como “muy, muy inteligente y fácil de aburrir. Silken se encuentra allí por la aventura, ayudando a este tipo enloquecido con su tráfico de drogas y vistiendo prendas locas. Nada de todo eso es real para ella. Probablemente en parte porque ella continuamente está sumergida en la provisión de droga. Es una extraña fase en su vida y quién sabe lo que ocurrirá luego”.Eva Mendes fue elegida para el personaje crucial, Sand Saref, la única mujer capaz de romper el corazón de Spirit. Miller encontró en Mendes una actriz “hechizante y bella como la de las ilustraciones originales”.

Sand se ha casado bien y varias veces; es sexy hasta quitar el aliento y aparentemente fría como el hielo. Pero debajo de todo eso hay un alma herida perseguida por la pérdida de su padre en la niñez. “Sand Saref es en realidad una niña pequeña destrozada”, comenta Mendes. “Ha decidido que lo único con lo que en realidad puede contar son con las joyas caras. Ella adora las cosas brillantes, como ella misma las llama”.Spirit tiene también una compleja relación con Ellen Dolan, la hija del comisario de policía de Central City y una vez la prometida de Denny Colt. “Ellen es muy cortante”, dice Miller. “En una pequeña digresión por mi parte al cómic, la hice cirujana, la mujer que literalmente junta los pedazos de Spirit en el plano físico”.

Ellen está interpretada por Sarah Paulson, la talentosa actriz que se ganó el aplauso por su papel en la serie Studio 60 on the Sunset Strip de Aaron Sorkin. La actriz encontró una vena de melancolía en ese personaje tan dueño de sí mismo. “Creo que Ellen trata de distraerse de la tristeza de haber perdido al amor de su vida y como su padre, se oculta en el trabajo”, comenta la actriz. “Se obsesiona tratando de llegar a Spirit y se ocupa de cuidarlo, asegurándose de que está bien y curado”.

Miller hizo el papel de Lorelei a la medida de Jaime King, que interpretó a Goldie en Sin City, Ciudad del pecado. La actriz se emocionó al reunirse otra vez con el escritor/director, que se ha convertido en un amigo cercano. “Frank es muy creativo y su guión no se parecía a nada de lo que había leído antes”, comenta King. “Era una película de cine negro, sexy, pero también todas esas otras cosas, romántica, siniestra, divertida y filosa. Y yo estaba encantada de interpretar a esa misteriosa mujer, que en realidad es el ángel de la muerte que llama a Spirit a lo largo de toda la película”. El personaje de Plaster de París fue para la premiada actriz española Paz Vega, que hizo su debut en Estados Unidos en Spanglish y es conocida por su sensualidad en películas como Lucía y el sexo. “Plaster de París es una de las creaciones más extrañas de Eisner”, concede Miller. “Y como lo interpreta Paz Vega, ellas es el sueño hecho mujer. Pero un sueño definitivamente peligroso”.

Vega estuvo más que feliz de cruzar el Atlántico para interpretar su relativamente corto papel. “Me encantan los cómics y trabajar con Frank Miller fue un sueño hecho realidad” dice entusiasmada la actriz. Vega reconoce que Spirit tiene mucho que temer de París, particularmente a la luz de su historia anterior. “Creo que han tenido una tórrida relación y ella continúa enamorada de él. París es una mujer muy extraña, y nunca se sabe qué se puede esperar de ella”.Miller inventó el personaje de Morgenstern, la policía novata encandilada con Spirit pero dispuesta a ponerse a prueba. Stana Katic, una estrella en ascenso que trabajó en Quantum Of Solace, fue elegida para interpretar a la joven oficial de policía juguetona que contrasta abiertamente con las otras mujeres de la película que son más seductoras. “Ella es la única mujer en el filme que no es consciente de sí misma como mujer”, opina Katic. “Como oficial de la ley que es, Morgenstern admira a Spirit. Una vez que lo conoce, bueno, él es el maullido del gato, y ella comienza a enamorarse perdidamente”.

Dan Lauria agrega la vigorizante y áspera dosis de cine negro como el comisario de policía Dolan, un policía anticuado que es la única persona que sabe que Spirit es Denny Colt. La primera lectura con Lauria fue todo lo que Miller necesitó para convencerse de que era justo la persona para ese papel. “Dolan es el padre que Denny Colt jamás ha tenido y mantiene una continua relación beligerante con Spirit. En el papel de Dolan, Dan exuda autoridad, cansancio y preocupación. De alguna manera, es mi personaje preferido porque es mi cápsula del mismo Will Eisner de mal humor”.

Un fanático del cine con una colección de más de 4.000 películas, Lauria estaba entusiasmado con la oportunidad de emular el tipo de expresión en `staccato´ de las películas de los 40 que adora. “Los actores de esas películas, en el cine negro en particular, hablan muy rápido, y los diálogos de Frank realmente se prestan para eso. Así que lo único que hice es volar a lo largo de mis diálogos, lo que ha dado el filo que me encanta”.

Y por último, hay una hermandad de clones de alegres secuaces creados por Octopus, quien no duda en deshacerse de ellos libremente cuando no cumplen con las expectativas, que, debido a su falta de inteligencia, ocurre con frecuencia. Miller en un principio imaginó a los matones como tres hermanos idénticos llamados Logos, Pathos, y Ethos. “La idea comenzó a gestarse en mí”, recuerda el guionista/director. “Pensé, ‘¿por qué detenerme en unos trillizos cuando tengo a este tío que es un genio de la genética? ¿Por qué no haces que haga muchos de ellos?’”

Para interpretar a los múltiples maníacos, conocidos colectivamente como Phobos, Miller y Del Prete buscaron a Louis Lombardi, mejor conocido como el irritable Edgar en 24. El actor recuerda, “Frank y Deborah me dijeron que tenían un gran papel para mí: ‘es un tipo al que matan 50 veces’. Y yo pensé, ‘vale’. Frank entonces me dijo todas las maneras en que iba a morir y entonces pensé, ‘Guau, ¡esto va ser genial!’ Y cuando Frank me explicó la manera en que iba a rodar la película, no pude esperar a que empezara el rodaje y comenzar a trabajar”.

Plató y Pantallas

El plan de los realizadores para The Spirit fue ciertamente ambicioso: rodar la producción entera utilizando pantalla verde y la tecnología y los programas de imágenes generadas por ordenador (CGI) para crear un híbrido entre imagen en movimiento y un libro de cómic. Miller ya había estado involucrado en un rodaje con avanzadas técnicas digitales cuando codirigió con Robert Rodríguez Sin City. “Lo que ocurrió con la tecnología computarizada y el CGI es que encajó perfectamente con alguien con mi abanico de conocimientos”, reconoce Miller. “Yo cuento historias con imágenes. Lo que me encanta del CGI en cine es que si soy capaz de pensar en algo, eso puede estar en la película. Y aunque esta tecnología habla del futuro, también puede recuperar algunos valores del pasado. No solamente los valores del cómic en una ciudad extraña con luz tenue, sino también los valores del cine negro clásico. Quería que The Spirit tuviese la imagen descarnada y aterradora de esas viejas películas”.Del Prete cuidadosamente seleccionó un equipo de primera para ayudar a que Miller consiguiera su visión de The Spirit. “Nos propusimos encontrar gente que conociera y simpatizara con los conceptos del tipo de cómic que Frank ha escrito. Queríamos gente que conociera a Eisner y ‘The Spirit’. Así que Frank ha estado rodeado por gente de mucho talento que estaba ansiosa por trabajar con él en esta película. Cada uno de los miembros del equipo era gente muy especial”.

Esto ciertamente describe la clave en cuanto a los colaboradores técnicos con que ha contado Miller: el renombrado director de fotografía Bill Pope, entre cuyos trabajos se encuentran Spiderman 2 y 3, la trilogía de Matrix y Lazos ardientes; el supervisor de efectos visuales Stu Maschwitz, fundador de la casa de innovadores efectos visuales The Orphanage, cuyos asombrosos trabajos incluyen Iron Man, Noche en el museo, Superman Returns y Harry Potter y el cáliz de fuego.

Pope no dudó ni un segundo en unirse a Miller para su debut directoral en solitario. “Frank Miller llama y dice, ‘¿quieres hacer una película?’ Éste es el hombre que es el maestro del medio visual y quieres saber lo que hace. ¿Qué haces si Julian Schnabel te llama? Dices sí”.Maschwitz también trabajó como director de la segunda unidad y comenzó a asesorar a Miller en los efectos visuales de la película desde la preproducción. “Frank es un subidón con toda la energía que sientes en su material gráfico. Tiene una visión profunda y es increíble verlo trabajar para darle vida a esos personajes que están definidos en una página tan solo con una pose o un gesto”, concluye Stu.

The Spirit comenzó su producción en Albuquerque, Nuevo México, el 8 de octubre de 2007 y fue la primera película en rodarse en los nuevos estudios, Albuquerque Studios. Los plató 7 y 8 fueron transformados en un inmenso plató con pantalla verde, pantalla negra y un plató para trabajar con especialistas que se podía cambiar de verde a negro. El ambicioso plan de rodaje de 48 días contaba con más de cien actores y especialistas. Para los actores y los departamentos técnicos clave, Miller creó unos cuadernos con las historias originales de Eisner sobre las cuales The Spirit estaba basado. Y cada día el guionista/director comenzaba dibujando guiones gráficos para facilitar que tanto los actores como el equipo técnico pudiesen visualizar las escenas que se rodarían ese día. Del Prete comenta, “Frank se aseguró de que toda la gente que trabajaba en la película realmente entendiera el original así como su estilo artístico. Y creó un híbrido de los dos. No hubo un sólo día que transcurriera sin que se hablara de Will”. Juntos, Miller, Pope y Maschwitz hicieron un mapa de la aventurada estrategia visual. “Decidimos hacer The Spirit aún más estilizada, más en la línea de los dibujos de Frank que lo que hizo Rodriguez”, explica Pope. “Stu y yo éramos unos seguidores, en el sentido de que entendíamos a Frank Miller y su sensibilidad. Nuestro trabajo era traducir lo que estaba en su cabeza y en sus dibujos al mundo tecnológico. Frank no es un técnico. Para lo que es fantástico es para encontrar ese momento, el punto emocional preciso en el corazón de cada escena”.

Un espíritu de creatividad y juego prevaleció en el set, tanto delante como detrás de la cámara. Para Miller, esta actitud era esencial para lograr una apropiada adaptación del trabajo de Eisner. “Will fue siempre un aventurero en su trabajo”, cuenta. “Lo que queríamos hacer en esta película era volver a estar en contacto con ese sentido de la experimentación que ‘The Spirit’ aportó y que a la vez definió a ‘The Spirit’. Todos, el reparto y el equipo técnico estaban dispuestos a intentar cosas”.

Sam Jackson acuerda y hace mención de la receptividad de Miller hacia las ideas de los actores en todos los aspectos, desde el texto al bello facial. Cuando Jackson vio el vestuario completo y el minimalista y no existente decorado, se dio cuenta de que podía ir aún más allá con el personaje que estaba creando. “Nos dimos cuenta de que podíamos lanzar a Octopus a otra dimensión con las pelucas, el maquillaje de ojos y todo tipo de cosas elaboradas en mi cara. Nos lo pasamos muy bien pensando en el personaje, y creo que eso nos ayudó a crear un villano verdaderamente gracioso y memorable”.

Miller estaba encantado con su reparto. “Estoy acostumbrado a dibujar en mi tablero e inventarme a mis propios actores. Así que probablemente la mayor sorpresa que me llevé fue que me encantan los actores y adoro trabajar con ellos. Todos en el reparto son fantásticos. Creo que, de verdad, el actor es el que crea el personaje. El director sólo ayuda a conducirlos a través de la historia”.The Spirit necesitaba un delineado, vibrante e inteligente diseño de vestuario para los personajes. Fue un reto que el diseñador de vestuario, Michael Dennison, tuvo que asumir para divisar las estilizados prendas que reflejarían las diferentes personalidades, la historia y los cambios de humor. Para el Octopus de Jackson, creó una serie de trajes para complementar la adoración del mal de este desalmado, desde el arquetipo del “malo” del oeste, el mortal samurai e incluso el nazi. Y allí estaban esas increíbles y variadas prendas para las espléndidas mujeres de la película: vestidos de noche, trajes y todo lo que refiriera a las siluetas femeninas de mediados del Siglo XX pero sin dejar de mantener un cierto aire moderno.

Como contraste, el guardarropa de Spirit pedía algo simple, prendas con mensaje. Dennison hizo unas pocas y sutiles alteraciones en el atuendo de Spirit para traer al personaje a la actualidad. “El original Spirit llevaba un traje”, apunta Dennison. “Hemos simplificado su vestuario a una camisa, corbata, pantalones, cinturón, zapatillas de deporte, un increíble impermeable y un sombrero. El impermeable fue cariñosamente bautizado como la capa, porque flotaba, volaba, se envolvía, ocultaba. La corbata escarlata era parte de la visión de Frank. Una imagen gráfica que se convirtió en la firma del personaje”.

Algunas de las innovaciones más atrevidas de The Spirit tienen que ver con las extendidas secuencias bajo el agua, incluidas las escenas de los personajes de Mendes y Jackson persiguiendo su botín debajo de las marismas de Central City. Los realizadores querían lograr un efecto que sólo era posible en un cómic, con la Sand Saref de Mendes luciendo tan arrebatadora bajo el agua como luce fuera. Para conseguir esto, Pope rodó las secuencias utilizando una luz especialmente diseñada a ese fin y una cámara Phantom, un modelo de alta velocidad reservada generalmente para aplicaciones científicas. Mendes fue suspendida en un arnés y no se necesitó ni una gota de agua. Del Prete cuenta, “teníamos lo que queríamos, una escena totalmente creíble bajo el agua y Eva parece una diosa, el maquillaje y el cabello absolutamente perfectos, porque, claro, ella no está en el agua. ¡Igual que en un cómic!”

The Spirit fue concebida como cine negro contemporáneo con el color jugando un papel específico y poderoso. La gama de colores fue establecida en producción a través de la luz, el diseño de vestuario, la dirección artística y demás, y continuó hasta la postproducción. “Nunca creímos que la película tenía que ser puramente en blanco y negro, queríamos ver el color de la piel y la carne”, dice Pope. “Así que trabajamos en esa dirección hacía lo que entendíamos que la temática del color tenía que ser. Por ejemplo, cuando Frank escribió la escena de Spirit joven con Sand joven en el porche, supe que estaban abriendo una cerradura. Esa cerradura tenía que ser dorada, los recuerdos tenían que ser dorados. Y Sand es materialista, así que el dorado se convierte en su color”.

Una vez que se terminó el rodaje, toda la actividad se trasladó a las oficinas centrales de The Orphanage en California del Norte, donde Maschwitz supervisó los efectos visuales con un equipo de 200 personas en diez estudios de todo el mundo incluyendo Australia, Los Ángeles y Canadá. Para Maschwitz y sus colegas, la tarea que tenían entre manos fue casi hacer lo opuesto al trabajo habitual de los efectos visuales. “Lo más frecuente en nuestro trabajo es coger un plano que está completo excepto por algún pequeño elemento e insertamos ese elemento dentro del plano”, explica Maschwitz. “Con The Spirit, teníamos un elemento pequeño muy importante que era la actuación, y teníamos que llenar todo lo demás”.

Paralelamente en Los Ángeles, el montador Greg Nussbaum se unió al equipo de postproducción. Nussbaum llegó a la película por recomendación de Stu Maschwitz, con quien había trabajado en publicidad y vídeos musicales. “La dificultad en este tipo de películas es que el montador sólo tiene a los actores sobre una pantalla verde para poder montar. Tienen que tener muchísima imaginación para entender lo que están haciendo. Deborah quería a alguien que realmente entendiera el estilo de Frank, como el resto del equipo. Greg había hecho el montaje de la previsualización de The Spirit y supe que tenía mucho talento y que sería una buena elección”, recuerda Stu Maschwitz. Del Prete le dio las primeras dos semanas de material a Nussbaum como prueba para ver lo que hacía con él. Tanto ella como Miller quedaron encantados con el resultado y lo incorporaron al equipo.

La postproducción es una de las partes más importantes del proceso, especialmente en una película como The Spirit, y al mismo tiempo que Maschwitz y The Orphanage se aseguraban de que cada efecto visual era perfecto, Miller y Del Prete también se aseguraban de que el sonido y la música estuvieran a la altura de la película. Pasaron mucho tiempo escuchando bandas sonoras y entrevistándose con compositores. La productora Del Prete recuerda, “fuimos muy afortunados al tener tan buenas opciones. Después de ver algunas pruebas del montaje, toda la gente con la que queríamos reunirnos estaba verdaderamente excitada con la idea de hacer la música de la película. Lo más duro fue tener que decir que no a muchos compositores de música verdaderamente buenos. Después de considerarlo, el altamente reconocido y varias veces nominado al Oscar, David Newman (Anastasia, Ice Age la edad del deshielo, The Phantom, el hombre enmascarado) se unió al equipo. Frank quería elementos del jazz de los años 40 fundidos con la clásica música heroica, incluso un toque de `spaghetti western´. David fue capaz de darnos todo eso”.

Fue en la postproducción donde Maschwitz trabajó con Miller para darle vida al personaje crucial en The Spirit: Central City, el gran amor de Spirit. Eisner basó a la ciudad en su ciudad natal, Manhatan, que es el hogar de Miller desde hace ya mucho tiempo. Miller cuenta, “Stu y su compañía crearon a la Central City de mis sueños, que es Manhatan desde más o menos Jane Street hasta Houston. Esto es porque Spirit es más el personaje de un barrio que el protector de la ciudad entera. Stu y su equipo crearon una evocación del Nueva York de diferentes épocas. Es como Pompeya, cuando Pompeya estaba en su momento cumbre. Es todo lo moderna que quieras y se remonta en el tiempo todo lo que quieras”.

Maschwitz agrega, “Central City es el Nueva York que Frank ve cuando camina por Manhatan. Eliges pedazos y partes de una ciudad real para que haya una realidad tangible, el desorden que un paisaje urbano tiene, y luego selectivamente se van quitando las partes que no encajan con el mundo de Frank y Eisner. Y como resultado tienes a Central City. Y la película es en verdad, una carta de amor a ese entorno”. Es también un respetuoso saludo con el sombrero a Will Eisner, el hombre que ayudó a crear el cómic. “Me tiré de cabeza en esto”, dice Miller acerca del gran desafío que fue llevar The Spirit a la pantalla. “Si iba a existir un The Spirit iba a ser todo lo bueno que fuera capaz de hacer. Espero que Will no se levante de la tumba y me estrangule cuando la vea”.La actriz Jaime King siente que Miller no tiene mucho por lo que preocuparse. “Lo que Will Eisner hizo con ‘The Spirit’ fue revolucionario: no había nada parecido a eso en ese tiempo. Y esto es lo que siento acerca de lo que Frank ha hecho con esta película”.

Fuente: OcioJoven